Grototoro - la musique au quotidien  

Cette page regroupe les différentes critiques musicales écrite en 2022 pour le webzine de Rock à la Casbah, sous la direction tatillionne mais sympathique de sieur bingO!

Bonne lecture!

Christophe Chazalon, alias GROTOTORO!

Premier album, entre tout et rien

Maxwell FARRINGTON, cuisinier à ses heures du côté de la Bretagne pour les chalands de passage, tâtant de la crêpe ou du cochon tout en chantant sous la pluie, propose, de fait, son premier album sans titre aucun, peut-être par faute de temps. Quoi qu’il en soit, l’attaque avec 2am est douce, chaude, suave, parfaite ouverture vers les au-delàs de la réalité des Basses-Terres, triste à mourir. Le morceau se laisse écouter, tout en souplesse, promesse annonciatrice de la micro heure ultra courte, pur calme à venir, étrange mix entre bossa nova Gilberto Gilienne et Jay Jay JOHANSON en balade courtoise. On commence l’écoute et on se dit « Yes ! un album sweet as ever, juste comme il faut pour rêver l’été, les joli(e)s ielles, le soleil et la mer... ». La croisière s’amuse et le Love Boat à la voie mélodieuse nous emporte au loin. La magie opère tel un cocktail de fruits à 16 heures, incursion millimétrée vers l’apéro salvateur d’une sombre fin de journée.

Mais, oops !, un premier micro hic titille l’oreille au deuxième titre. Avec Je préfèrerais, le français de l’artiste ne parvient pas à maintenir la suavité de la version anglaise, d’autant plus qu’elle est soutenue par une sur-voix féminisée légèrement décalée, dissonance minuscule, mais audible à droite ou à gauche, c’est selon. Henri SALVADOR et son Jazz Méditérranée sont encore tellement loin ! Le micro hic n’est cependant qu’éphémère. On ne saurait en tenir rigueur et, en un coup de vent des Dieux du ciel digérant le bonheur d’être tout puissants, les titres s’enchaînent dès lors avec bonheur. Weather, Norway, Rita, Back @ Ma's et If it were paper font oublier ce moment de doute. Le point culminant se situe pour nous entre Rita et le poppy-jazzy de If it were paper où Maxwell FARRINGTON donne peut-être le meilleur de lui-même et ouvre les portes de la perception, avec ou sans psylo qui supplie. On n'en est pas encore à l’écoute en boucle, mais le plaisir est indéniable, indiscutable jusqu’à ce que, patatra, tout s’écroule. L’heure de la Face B approche.

Coup sur coup, le pas terrible engendre le pire. De Homme terrestre à J’aime les filles, la descente est cruelle, le voyage prend l’eau et la tempête s’abat sur la croisière onirique aux franges de l’onanisme. Le naufrage pointe, à tous les horizons. Cruelle traîtrise de Mister FARRINGTON qui en oublie ses classiques, pour nous torturer les sens. Était-ce raisonnable ? Était-ce nécessaire ? N’aurait-il pas mieux valu un EP 6 titres de pures rêveries de promeneur solitaire ? J’aime les filles au rythme dance basique pour enfant de 8 ans, n’est autre qu’un calvaire textuel d’une simplicité grotesque, avec vagues relents alcoolisés d’un DUTRONC exemplaire rayonnant au loin dans les nimbes ouatés du Tout Puissant ou d’un Patrick COUTIN, poète inégalable de la gente oestrogénée au défilé aphrodisiaque si irrésistible que parfois on en vient à douter... Sans même parler d’un caustique Philippe KATERINE à l’irrévérence légendaire... Pire, les titres Shadow et Stay @ home font définitivement chavirer le tout en un ratage quasi maudit. Le premier avec son rythme à la mode techno pour Minis Moi impubères, et le second avec sa boîte à rythme premier prix de chez Mono et ses sonorités Bontempi à vous arracher les oreilles. Avant-gardisme expérimental pour communiquer avec les extra-terrestres spielberguiens ou baclage-remplissage de fin de premier album qui se cherche encore ? Mystère ! Mais pour nous, indigeste et tout autant étonnante production venant pourtant d’un label tel que Beast Records, soutenu ici par Crème Brûlée Records et l’association La Nef D Fous locale.

Jeunesse en devenir !

Faut-il pour autant jeter bébé avec l’eau de la piscine ? Non ! Loin de là. Maxwell Farrington est un album inégal pour sûr, qui pêche par l’innocence de sa « jeunesse » et un déséquilibrage de la production finale. Le bon au début (Face A). Le mauvais à la fin (Face B). Il nous laisse sur notre propre faim, décevant, voire énervant une fraction de seconde d’existence égarée, mais nul doute qu’on reviendra à l’écoute des premiers titres, ballades sucrées-salées des meilleures, plus qu’audibles en toute saison, et surtout If it were paper qui chante si bien dans nos colimaçons auditifs, entraînant le mouvement rythmé des membres alanguis au bout du vide. Aussi, on ne peut que souhaiter à Maxwell de poursuivre activement l’aventure, en attendant, devant tant de promesses - en partie tenues -, la suite de son travail.

 GROTOTORO, depuis Ponta do Sol (Cabo Verde)
(25 mars 2022)

(Cet article a été publié originellement sur le site du webzine de Casbah Records (web))

Notre correspondant Suisse est tombé en amour pour l'album compilatoire du singulier duo grand-briton SKINNY MILK.

Quel point commun y a-t-il entre les Anges perdus de FLAT WORMS, les Londoniens de BAD NERVES ou les Rotterdamois d’IGUANA DEATH CULT, sans oublier les fabuleux Californiens d’OSEES qu’on ne saurait que recommander aux oreilles ouvertes à la puissance ovomaltinée du quotidien ? Ils ont tous tourné avec les SKINNY MILK, le duo punk de Brighton. Car si les deux copains d’enfance, Johnny HART (basse et voix) et Tim COX (batterie) ont peu produit, ils n’en ont pas moins beaucoup joué dans les salles grandes-britonniennes, voire continentales.
Aussi, en 2021, le label Beast Records a fait la synthèse des « juvéniles » et nous régale d’un premier LP 12 titres, intitulé Shadowplay. Une pure merveille neuronale qui ensorcelle les synapses de la commune des mortels et ses consorts masculins. Retour sur une aventure brève, mais ô combien réussie !

Tout d’abord, Shadowplay reprend l’essentiel de la discographie maigrichonne du groupe apparu en 2016. Elle est composée des EP 3 titres Skinny Milk (2016) et Daydream (2017), du EP 2 titres Creature (2018), du single Blood (2018) et du EP 4 titres Bones (2019). Ce dernier, tout comme le titre Forever Changing / Tunnel Vision présent sur Creature, sont passés à la trappe et ont été remplacés par quatre nouveaux morceaux (d’après les dires de Beast Records), nous laissant dubitatif sur le morceau Y.G.D. qui clôture le LP, que l’on ne retrouve pas ailleurs. Mais d’où sort-il ? Peu importe ! Notre connaissance lacunaire n’enlève rien à la qualité du projet qu’on se le dise. Continuons !

Aussi pourquoi est-on immédiatement tombé en amour de Shadowplay ? Tout d’abord pour le son si spécial du groupe, reconnaissable entre tous, pour ne pas dire unique (il faudrait être un Dieu d’omniscience pour savoir tout ce qui s’est produit de par l’univers des ielles, ou une Déesse, satané écriture inclusive !).
D’une part, une voix typée (à la Richard McNEVIN-DUFF des acid-jazziens madchesterois de SPACE MONKEYS), mais traitée avec un effet delay / reverb, qui donne le ton psychédélique au groupe et qui captive dès la première écoute. On accroche illico (ou pas du tout ! ). Nos deux artistes ont quelque fois la main un peu lourde et le delay / reverb sus-mentionné est un tantinet trop marqué, comme sur C’mon, mais rien d’insupportable. Plus encore, pour le coup, la voix de Johnny HART apparaît plus comme un instrument sonore qu’une autorité messianique à écouter avant tout. On y reviendra. Et pour tout dire, faute de chanteur post-punk à la voix comparable dans notre ROM personnel, on est forcé de comparer vers moins punk, mais toujours rock, tels que les Suédois de DEAD VIBRATIONS, qu’on pense à Reflections ou Drain (Echo Drug Recording, 2016), ou dans un univers plus psyché-pop, au Bad Texan (Holy Are You Recordings, 2016) des Anglais de The LUCID DREAM.
D’autre part, la solide base rythmique du duo, toute en puissance et générosité, hyper-centrale, que seules quelques guitares samplées viennent perturber avec insistance, distorsions sonores d’enrobage généralement non lead tel du miel pour les abeilles offert en pâture aux plus douillets des limaçons auriculaires (il faut de tout pour faire un monde ! ). Les riffs de basses sont tranchants à souhait, entraînants, souvent joués au plectre, parfois avec une légère distorsion frizzante non déplaisante comme sur Rat king. Mais, quoi qu’il en soi, la base doumdoum - badaboum donne non seulement le tempo, mais plus encore ouvre les volets de la perception (mangez moi, mangez moi, mangez moi ah !) vers un univers de méditation compulsive. Unconnoisseur de l’Outre-Manche bien disposé et plein de poésie ne faisait-il pas remarquer que « SKINNY MILK crée des airs cathartiques qui atteignent sans effort le volume de groupes de guitare beaucoup plus grand (Skinny Milk create cathartic tunes that effortlessly reach the volume of much larger guitar bands) ». 100% raison du côté des Fish and Chips du Sussex de l’Est et fascinant !
Au final, SKINNY MILK ne recourt qu’à quelques basiques bidouillages électroniques très garagistes, proche de l’anti-dance du Baron punk bernoisSam SNITCHY (un Suisse d’un autre âge ! ), mais qui n’atteignent jamais le niveau d’expérimentation du pseudo-néo-punk de My life on the Silicone Prairie (2021) des Américains de... SILICONE PRAIRIE. Ainsi, pas de surcharge, pas de superflu, que de l’essentiel, du presque pur (le garage est toujours un peu sale, n’est-il pas ? ! ) pour le bonheur des auditeurs-trices. C’est d’ailleurs aussi là peut-être, pour être sincère, le seul point faible de Shadowplay (la perfection n’existe que dans la présence de l’imparfait, faut-il le rappeler ? ) : une trop grande uniformité de format, du son, qui traverse l’album de long en large, et en travers. Mais vu qu’il s’agit d’un premier LP, telle Shéhérazade qui désespère de pouvoir finir son dernier verre, on a le temps de voir venir des jours meilleurs... Croisons les doigts ! Chears !

Rapide petit tour d’horizon. Shadowplay ouvre l’album et introduit sans ambages le kesako à venir. Rien de bien folichon, certes, mais une introduction reste une introduction, plaît-il ? S’enchaînent à un rythme effréné (seul Slip down the hole dépasse les 3’30) les 11 titres, dans un ordre, ma foi, fouillipunk des plus classiques, mais est-ce important ? Under your skin a pour but de réveiller les dormeurs-euses potentiel(les), potards plein volume. Que ça fait du bien ! La tête secoue de haut en bas, et parfois de côté, histoire de changer un peu. Même les plus nul(le)s en rythmique ne peuvent se planter. Imparable ! Suit Rat king, un de nos morceaux favoris pour la basse précédemment abordée et qui frétille dans le conduit à génération d’endorphine savoureuse. 2’17, c’est presque trop court, mais fait de merveilleuses loops. Dream catalogue enchaîne quasiment sans transition. Le rythme augmente, frénétique scansion du temps qu’il devient quasi impossible de faire autre chose que d’écouter. Vos voisins vont adorer ! Run ne décroche pas. La crise épileptique est proche ! Les guitares partent en avant dans un riff basique distordu et sans complexe. Elles sont les bienvenues, apportant un peu de fraîcheur et surtout permettant le relais avec Slip down the hole, qui se veut à teneur métaleuse, mais est en fait l’un des titres les plus poppy de l’album, du presque MTV Rocks. On n’est pas fan, mais Alright arrive, alors... On attend que ça passe. Pause pipi ou un café. A seguir ! Le nappage guitare se poursuit mais avec moins de distorsion. Alright se veut mélodique. La rythmique lâche du lest. On se rapproche du post-punk des plus formels. Rien à dire, c’est bien fichu. Rien à jeter. Daydream n’a rien d’un rêve. Tim COX se défoule sur ses cymbales, assourdissantes, pour offrir un contre-point à la clarté silencieuse du chant seul et quasi nu, qui prend la main à chaque refrain. Le titre Creature, lui, n’est pas sans rappeler le On the run de BASS DRUM OF DEATH. On aime sans discussion. C’est d’ailleurs peut-être, avec Y.G.D., le titre emblématique de cet album, la quintessence des SKINNY MILK. Blood, lui, ralenti la tension, diminue la pression. L’atterrissage approche. Attachez vos ceintures, relevez vos tablettes ! Avant dernier titre, C’mon vous installe lourdement dans votre fauteuil en attente du feux d’artifice final qui se profile. Et nous voilà donc sur Y.G.D. Le feu d’artifice n’est qu’un feu de Bengale, mais ô combien coloré ! Contrairement à toute attente, ce simpli-sublissime morceau est le plus pop de Shadowplay et probablement celui qui obtiendra le plus grand succès commercial, par sa thématique (« Soldier, You’re gonna die ! » qui résonne étrangement en ses temps de folie russe), mais également par la réalisation du vidéo-clip attenant, montrant des essais de bombes nucléaires et des soldats exposés sans protection, mais fascinés. Le riff de basse une nouvelle fois distordu (non sans rappeler au loin le son grunge seattlois) est complémentaire d’une partie vocale à reverb très très Angleterre in the 90s. On adore tout simplement, tant c’est bien fichu, ça sonne juste et que dire ? C’est parfait ! On peut mourir tranquille, même si on n’est pas aux armes ! Demain est un autre jour.

En conclusion, Shadowplay s’inscrit clairement dans la vague néo-punk-garage qui essaime la planète depuis l’avènement du nouveau millénaire, avec des groupes tels que les Londoniens de SISTERAY aux compositions critiques et sans concession sur notre société déliquescente d’asociaux réseaux (on pense à Algorithme prison ou a 00:01:57 Faaast food), et beaucoup plus proche stylistiquement, The BLIND SHAKE, de Minneapolis, en particulier avec leur album Celebrate your worth (Gonner Records, 2016).

À noter enfin que Tim COX et Johnny HART ont formé, à l’été 2020, un nouveau groupe, TOP LEFT CLUB, avec Jimi DYMOND et Mac DADDY. Et moins d’un an plus tard, le 28 mai 2021, sortait toujours chez les Rennais de Beast Records un LP 11 titres : Shoulders at 90. Du coup, plus de cerveaux, de moyens, d’idées, de sons, certes, mais nettement moins de brio. Cet opus ne parvient clairement pas à fournir la fraîcheur énergétique et mélodique que l’on trouve dans Shadowplay. Comme quoi la sobriété à parfois du bon !

 GROTOTORO, depuis Genève (Switzerland)

(03 mai 2022)

(Cet article a été publié originellement sur le site du webzine de Casbah Records (web))

C'est le grand retour des concerts, mais gare aux usurpateurs et autres tire-au-flanc ! Notre correspondant Genevois est un poil énervé.

COVID, COVID, COVID... On n’en peut plus du COVID et par chance, début 2022, celui-ci semble perdre un peu de son intérêt auprès de nos chères autorités et enfin nous foutre la paix. Résultat : concerts ! Enfin ! Et nous voilà repartis, après 5 années d’abstinence tropicale pré-covidienne ou pure COVID, sur le chemin du LIVE ! Quelle joie ! Renaissance presque. Plein d’espoir et de déraison, on s’engouffre sur le web pour savoir qui joue où. On veut voir, ressentir, vivre la musique in vivo.

Pour le reste, nul n’est censé ignorer qu’on apprécie les HANEKE TWINS, des Suisses aux dark pensées qui refusent de chanter l’Amour, préférant parler société, politique, bordel mondial...

Le 13 avril 2022, direction la BARAKASON, la maison de quartier à Thônex, dans la banlieue genevoise, en Suisse, pour assister au festival du week-end Renaissance (NDLR : au moment de la transmission de son papier à la rédaction, notre correspondant suisse ne sait peut-être pas que le parti politique présidentiel français La République en marche devient Renaissance !!! ). Samedi Rock. Dimanche Ska – Reggae. Le bonheur est dans la banlieue et on y va heureux, plein d’espoir de trouver ce qui a tant manqué ces derniers temps : de la vie sur scène.

Les HANEKE TWINS jouent en dernier, mais avant il y a les DOPPELGÄNGER, les sosies valaisans descendus exprès de la montagne dans la capitale du Valais, Genève. Et puis aussi le solitaire SIGDOR, du bout du lac qui, ce soir, ne sera plus seul, mais très bien accompagné. On regarde tout ça sur le web en prévision, et on écoute ou réécoute pour savoir ce qu’on est supposé entendre à l’avance suivant l’adage si généralement admis « un homme averti en vaut deux ».

Jusqu'ici, tout va bien
Grosso modo, SIGDOR nous laisse dubitatif à ce moment là. DOPPELGÄNGER pourrait être une belle surprise. HANEKE TWINS, on aime, donc ça ne compte pas. Et nous voilà partis en voiture à la conquête du monde d’avant, d’avant le COVID à la con qui nous a ruiné et pourri la vie. À peine arrivé, DOPPELGÄNGER est déjà en piste. En Suisse, contrairement au Cabo Verde, l’heure, c’est l’heure ! Y a des clichés comme ça qui ne changent pas. Des fondamentaux de la vie. Et celui-là en est un. On prend une bière au passage et hop ! Le live s’offre à nous. « Jusqu’ici tout va bien. Jusqu’ici tout va bien... L’important, c’est pas la chute. C’est l’atterrissage ». Et là, l’atterrissage a un arrière goût désagréable, tout comme la bière artisanale très amère. Peu mieux faire. Pourquoi, me direz-vous ? Parce que, pour la première fois de notre vie, on assiste à un concert où les musiciens ne jouent pas ouvertement des instruments diffusés.

Qu’on se comprenne bien. Il y a les artistes seul(e)s avec rack de samplers, loopers et autres machines à bidouiller. Là, pas de soucis, le mec tout seul n’est pas homme-orchestre (idem pour la femme), donc il gère tout ça et on accepte. Mais là, DOPPELGÄNGER, c’est trois types sur scène, donc rien que de très conventionnel. Or, au milieu du concert, le chanteur-bassiste pose sa basse et ne fait plus que chanter. Le COVID ça fatigue, même quand on ne l’a plus ou quand on ne la pas eu. Zeus ! Grand Dieu ! Qu’est-ce donc là ? ! Ancien bassiste, jamais je n’aurais imaginé poser l'instrument en plein concert pour aller boire une bière pendant que les autres jouaient sur scène. Mais notre chanteur de DOPPELGÄNGER semble très content de sa prestation. La basse, en plus des claviers inexistants sur scène, mais sortant toutefois des enceintes de la salle, rien que de très normal pour lui. Bon ! Qui sait ?...

Je rentre chez moi et, toujours dubitatif de la chose, j’écris à bingO, mon rédac' en chef préféré. Pourquoi ? Parce qu’il est tout à la fois rédac’ chef, mais aussi musicien sur scène et en studio. Il sait de quoi il parle. Donc lui saura me répondre. Or, sa réponse, rapide et efficace comme toujours - pour ça qu’il est mon préféré -, eh bien, j’aurais pu donner la même ! DOPPELGÄNGER est un cas à part. Ça arrive. Rien de grave ni de convenu.

Un casque sur les oreilles de la planète Rock
Ainsi va la vie, me direz-vous ! Oui, oui. Les jours passent. Les semaines aussi, pas beaucoup. Les concerts se poursuivent. Et puis voilà que L’Usine (Genève) propose un festival réunissant les trois salles de concert qu’elle héberge, à savoir le Post Tenebras Rock (PTR), le Zoo et la Makhno, le 30 avril. De 21H30 à 6 heures du mat’, de la musique live... ou presque. Encore une fois, on google-ise un max pour voir et savoir ce qu’on est supposé découvrir sur scène. Le programme est plaisant pour ne pas dire prometteur.

C’est l’heure. On part, cocoté, looké, ready to go. Petite bière en main et c’est le tour des RASKOLINIKOV, groupe franco-genevois de cold-wave / dark-punk qui nous a beaucoup plu en streaming, à tel point qu’on a même proposé à notre rédac’ en chef préféré d’écrire un article dessus. Ben... c’était avant de les voir en concert. Le batteur, Jérôme BLUM, casque sur les oreilles, s’amuse à faire tourner ses baguettes entre les doigts comme les drummers de Hard FM des années 80. Bizarre, non ? Et pour cause. Il frappe de temps en temps sur sa caisse claire ou sur une cymbale, le reste de la partie « batterie » est en playback, joué par une boîte à rythme. Le choc est rude. À mes côtés, le batteur des HANEKE TWINS se marre. Jamais ça ne lui viendrait à l’idée, lui, de faire ça. Quand il est sur scène, il joue tout. Et c’est là qu’est le plaisir, le vrai, pas celui de la pornographie du Dark Web.
 
Suivent alors les Parisiens de BRYAN'S MAGIC TEARS qui versent dans l’indie-rock, dit-on. Nous, on dirait plutôt dans le plus pur shoegaze, celui des années 90, genre MY BLOODY VALENTINE. Un batteur, une bassiste-chanteuse, trois guitaristes, dont un chanteur leader qui arrête le groupe parce que le morceau est trop rapide ou râle après le public parce qu’il reste en retrait. Le guitariste lead (excellent au passage), on sait ce qu’il joue ; les deux autres, c’est plus flou. Et, là aussi, le batteur, prend parfois le casque sur les oreilles et hop ! , de la boîte à rythme en guise de live. Mais Grand Dieu, qu’arrive-t-il à la planète Rock ?

Un concert, un vrai ?
Le clou de la soirée devait être les Suisses de BAK XIII. Le Zoo est bien rempli, les fans sont là, crient - à moitié ivres ou shootés. Faut dire que dans un monde sans fumeurs, L’Usine est l’un des rares lieux qui les tolèrent et plus particulièrement les amateurs de chichon. Pas besoin de le payer, vos voisins vous en imprègnent à volonté. On attend, encore et encore. Problème d’installation des effets visuels. La salle est chaude. Les écrans « géants » sont fascinants, cependant pas autant que le mur de fond de la scène, absolument captivant, lumineux à souhait. Ça va être explosif. On se réjouit. Enfin, un concert, un vrai !

Pardon. Serais-je trop vieux ? Has been ? Deux gugusses débarquent enfin sur scène. L’un beuglant dans un micro avec une couronne autour du cou, à défaut d’être sur la tête. Faut dire que vu ce qui sort de sa bouche, on comprend plus facilement qu’il n'est pas très net. Et un autre, possiblement sous acide, guitare à la main, sursaturation à plein régime, bouge en tout sens, tout content (« Wouah, je joue de la guitare, c’est trop cool, je joue de la guitare !!! »). Le batteur, lui, s'est perdu... Quoi qu'il en soit, tout le reste, comprenez le LIVE, est enregistré et diffusé une nouvelle fois en playback. Le choc est plus que rude. Est-ce là le « rock » du XXIe siècle ? Des fainéants sur scène qui s’amusent sans jouer d’instruments, tout étant pré-enregistré, comme pour les concerts de MADONNA quand elle n’a plus d’énergie ? Mais elle, il y a au moins un show à voir !

Nous on déteste. Un live, un concert, c’est un moment de partage entre les amoureux de la musique, soit les fans, et les artistes qui performent sur scène, autrement dit, qui "jouent" d’un instrument ou de plusieurs (à la Yann TIERSEN), avec tous les aléas que cela comporte. On se souvient de RADIOHEAD aux arènes d’Avenches où Thom YORKE s’arrêta soudain de chanter en plein milieu d’une chanson parce que les ingénieurs du son faisaient mal leur boulot. Ça discute et ça repart. C’est du live. Arriver sur scène, brancher l’ordi et laisser jouer la musique, ben, c’est du playback. C'est bon pour Michel DRUCKER ou La chance aux chansons (belles références, mais chez Pascal SEVRAN, le chant était souvent en direct, NDLR).

Quoi qu’il en soit, la question reste posée. Est-ce que le rock en live de demain sera du playback ? Il semblerait que oui, au vu des expériences post-COVID que nous venons de vivre. Le pompon revient cependant aux françaises gay-friendly de VENIN CARMIN. Deux femmes sur scène. L’une qui chante parfaitement et joue de la guitare à merveille. L’autre, planant sous les platanes, qui bidouille les machines, diffuse l’enrobage sonore de la batterie ainsi que des sons mélodiques, jouant du synthé en tapant avec une seule baguette sur une « mini percussion numérique » à la mode Rencontres du troisième type de SPIELBERG... On croirait rêver...

Décidément, fait pas bon vieillir. Mais où est donc passé l’esprit de Woodstock ?

 Grototoro (aka Christophe CHAZALON), correspondant à Genève

(17 mai 2022)

(Cet article a été publié originellement sur le site du webzine de Casbah Records (web))

Notre chroniqueur Suisse aime le groupe français JE T'AIME qui aime The CURE. Avant de rentrer dans la canicule estivale, un peu de froideur fera du bien à tout le monde...

D’une manière générale, un critique musical cherche très souvent la fraîcheur, la nouveauté, le son pas encore entendu, détonant, il espère trouver la pépite, la rareté, le futur, voire être le découvreur du groupe de demain. Et, à défaut d’être très réaliste, cela stimule au moins son imaginaire et sa soif de découvertes. Mais comme tout humain normalement constitué (et le critique musical en est un d’humain, les AI peuvent aller se rhabiller), il apprécie aussi les lieux communs, les sons connus et chéris, les « madeleines de Proust » ou autres résidus persévérants des temps anciens de son enfance qu’il refuse de perdre comme autant de moments de bonheur inaliénables. Ainsi va la vie ! On a tous nos péchés mignons.
Aussi, lorsque, par hasard, au détour d’une écoute Bandcampienne d’usage recyclage, nous sommes tombés tout en douceur et surprise sur les Parisiens de JE T’AIME (nom évocateur s’il en est ! ), pour sûr, on était bien Du côté de chez Swan. La machine à remonter le temps était entrée en action et nous avait propulsés plus de trente ans en arrière, mazette. Fzzzzzip ! Le ventre avait fondu, les cheveux avaient repoussé, les verres à voir avaient disparu, on était jeune et presque beau. Formidable ! Et quand bien même le groupe avait revendiqué une recherche estivale 2019 assidue en quête de nouveaux sons, qui s’était traduite par un premier LP, Je t’aime, un « poponyme » (gare à bingO ! ) mélange de nu-Wave et d’électro, nous, on était entré, avec ce second album du nom de Passive, dans la plus pure et absolue New Wave des années 1980. Quel bonheur ! (pour celles et ceux qui aiment la New Wave, cela va de soi !)
 
Nos nouveaux amis de JE T’AIME, parce que bien sûr, dans ce cas-là, on se transpose immédiatement en fan(à tiques), aux cheveux hirsutes et noir de poussière gothique des volcans infernaux, nos nouveaux amis, disais-je, nous étant devenus cher, on se dit pourquoi pas, après tout, une petite critique d’amour pour le bonheur de dire et qui sait ? Malheureusement, la quête d’informations pour en savoir plus sur ces créateurs terrestres d’un autre loops de temps se heurta rapidement au presque vide de la Toile. Quelques éléments éparses sur le site officiel du groupe nous apprirent cependant que dBOY programme les machines, joue du synthé, de la guitare, de la basse et chante, alors que CRAZY Z, fait de même, mais ne chante pas ; et TALL BASTARD se cantonne, lui, à la guitare et à la basse. Plus encore, le trio sans batteur explique qu’après un bon accueil de leur premier single The sound in spring par le public, ils ont décidé de traverser La Manche, en quête de sources, de roots et peut-être de bière, pour finalement aboutir, en 2019, à un « son hybride Post-Punk Cold Wave, rappelant la grande époque de la Mancunian Factory et imprégné de relents des Smiths ». Oublié les SMITHS avec un « s », le webmaster du groupe a confondu MORRISSEY avec Robert le chevelu !
 
Nous, fin connoisseur, on sourit alors un peu, car niveau son, nos Frenchies n’apportent pas grand-chose de nouveau au final, ce que confirme très largement, le second album du groupe, Passive, sorti en février 2022 chez Manic Depression Records et Icy Cold Records, du moins la première partie du double album initialement prévu, car la seconde se fait attendre. Sortira-t-elle ? Sortira-t-elle pas ? On sait pas et on s’en fiche. La première partie est parfaite pour les oreilles nostalgiques. Aussi, pour faire simple, on pourrait dire sans hésiter que JE T’AIME, ce sont les descendants directs et légitimes du couple britano-turc The CURE – SHE PAST AWAY. On aurait pu prendre les SISTERS OF MERCY, mais on aurait fini par croire qu’on ne connaît que ce groupe, alors... Peu importe ! La voix du chanteur dBOY résonne férocement comme celle de Robert SMITH (le chevelu mentionné plus haut), chantre emblématique et pilier du groupe de Crawley, fondée en 1978, en particulier telle qu’on l’entend dans les premiers albums post-punk de The CURE, Seventeenth seconds (1980, et son célèbre single A forest) ou Pornography (1982). Quoi que héritée de SHE PAST AWAY, comme sur le single Durdu Dünya ou Ritüel, plus caverneuse que celle de SMITH, la voix de dBOY est profonde et plaintive, mais cependant limpide et claire. Or, l’héritage thecurien, qui trahit le plus la filiation directe, c’est surtout la guitare basse mélodique, piquée sur le modèle du jeu de Simon GALLUP, de The CURE, et le son des guitares si typique de Robert SMITH. Il suffit d’écouter Marble heroes de JE T’AIME pour s’en convaincre : un mix parfait entre Love song et Pictures of you, tous deux tirés de l’album Disintegration (1989).
Pour le reste, qu’en est-il des paroles ? Les femmes, les femmes, les femmes, bonnes, belles, cruelles, viles ou faciles, un beau garçon aussi, et l’amour impossible d’Elle qui aime sans aimer ou n’aime pas tout en aimant (Dirty tricks, Cold, Give me more kohl, On the phone), la solitude encore (Lonely days, Stupid songs) ou enfin l’échec d’une vie, d’une relation, de la quête ultime (Unleashed, Cold, Blood on fire, Marble heroes). Du Dark-New Wave, et un chouilla de Gothique pour sûr, de la mort, de la souffrance, des araignées et des maîtresses payantes ou libérées dans des châteaux pas toujours hantés, mais avec des cachots de souffrances sadiques… Quoi qu’il en soit, quel que soit le morceaux, JE T’AIME nous entraîne dans les méandres du Styx, dans les cercles dantesques de l’enfer amoureux et d’une vie qui s’égare, ne sait plus où aller, s’achève presque.

On notera encore un élément supplémentaire d’excellence chez ces Parisiens un tantinet lazzy que je te sors un album tous les 3 ans et encore incomplet : trois vidéo-clips efficaces et simplement beaux, tel le très léché Another day in hell, une triple déambulation Black & White dans les rues de Paris totalement désertes en temps de restrictions covidiennes. Qu’il est bon parfois d’enfreindre la loi pour créer ! Avec Give me more kohl, on replonge dans les années 1970-1980, entre Punk et New Wave, dans les boîtes de nuit de l’Hexagone. Nostalgie, nostalgie quand tu nous tiens… Enfin, Stupid songs reprend les codes actuels du vidéo-clip, plongeant dans les bas-fonds des quartiers chauds de la Capitale, le tout en version karaoké, pour toutes celles et ceux qui souhaitent apprendre l’anglais, autant en profiter !

En conclusion, JE T’AIME n’apporte rien de nouveau sous le soleil, ok, c’est dit ! Mais au moins, il nous replonge dans le bonheur des années rebelles de notre jeunesse (désolé pour la nouvelle génération qui est en train de la vivre cette jeunesse ! ) et ce, pour le meilleur, car au final, le bonheur de l’écoute est là et n’est-ce pas là ce qui compte ?

 Grototoro

(Genève, 10 juin 2022)

(Cet article a été publié originellement sur le site du webzine de Casbah Records (web))

Notre correspondant genevois a rencontré l'une des formations les plus intéressantes du moment chez nos voisins helvètes : HANEKE TWINS. Puisse l'entretien longue durée avec Stefanos LEONTSINIS et Paschalis VICHOUDIS, les deux fondateurs du groupe, permettre aux lectrices et lecteurs de notre publication de comprendre que le post-punk 3.0 ne se cantonne pas seulement au Royaume-Uni.

         J’ai découvert les HANEKE TWINS à l’occasion de la mise en ligne de leur nouveau EP sur le site MX3 en décembre 2021. Séduit par le son et la voix du chanteur, tout autant que par les compositions, je suis allé les voir en concert fin mars 2022, afin de voir ce que cela pouvait rendre sur scène. Après une brève rencontre, une interview fut agendée pour la semaine suivante. Le courant passant extrêmement bien, elle a duré plus de deux heures (sans oublier 1H sup pour l’apéro), dans un mélange ping-pong français - anglais spontané. En voici les morceaux de choix.

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Une question BABA en préambule... Les HANEKE TWINS : qui, quand, où, pourquoi, comment ? (une minute max pour répondre ! )

Stefanos LEONTSINIS : Avec Paschalis, on travaille ensemble et on a joué dans des groupes de reprises. Et puis, à un certain moment, on s’est dit : « faut qu’on écrive nos propres chansons ! ». On a alors composé cinq morceaux. On a sauté dans l’avion, jusqu’à Athènes pour y enregistrer notre premier EP. Ça nous a beaucoup plu et on a donc continué. À ce jour, on a à notre actif le mini album Astronaut (The Animal Farm, 2021) et un EP 5 titres, Haneke Twins (autoproduction, 2018). Dans deux mois [l'entretien a été réalisé le 09 avril 2022, NDLR], on va enregistrer notre premier LP. Pour le reste, on a joué dans trois pays jusque-là. C’est donc plus qu’une passion pour nous, même si on est des physiciens ou des électroniciens au départ !
Paschalis VICHOUDIS : Le nom du groupe est un hommage au réalisateur autrichien Michael HANEKE, et plus spécifiquement à son film antifasciste Le ruban blanc (2009). C’est un film de suspens étonnant, sans bande originale. Ce qui n’est pas très courant. D’habitude, il y a toujours de la musique pour ajouter un peu de tension. Aussi, pour faire simple, on peut dire que tout est parti de ce film. Il a cette atmosphère antique, ce côté sombre qui correspond vraiment à notre style. Et puis, il y a des jumeaux (« Twins » en anglais) qui ont un rôle essentiel et très subtil dans tout le film. Je me souviens que nous volions en direction d’Athènes, nous discutions au sujet du titre du EP. On est finalement arrivé au nom de HANEKE TWINS, qui permettait une comparaison avec ce réalisateur dont nous partagions les mêmes points de vue. Et puis, un jour, peut-être qu'on écrira une soundtrack !

On peut dire que vous êtes les deux leaders – fondateurs du groupe. Comment composez-vous les morceaux, aussi bien musicalement que textuellement ?

SL : Je vis à Zurich et Paschalis est basé ici, à Genève. Quand je viens pour y travailler, on rassemble les morceaux et on les joue avec le reste du groupe.
PV : D’un côté plus technique, on n’enregistre pas de musique lors de nos échanges d'idées. On écrit la musique (la partition) sur ordinateur en utilisant un système MIDI. Du coup, c’est une musique synthétique. Les idées sont échangées comme ça. Après, lorsqu’on a atteint une sorte d’accord, ça devient une chanson. Ce n’est qu’à ce moment-là qu’on la joue. On la transmet aux autres membres du groupe et alors seulement, on peut répéter. Donc, c’est très... comment je peux dire ça... ce n’est pas très habituel comme approche pour un groupe de musique. Les groupes, d’habitude, se rencontrent et échangent des idées en personne, en vrai. Ce n’est pas ce que nous faisons. Par contre, pour le reste, tout suit le process standard.
SL : Si je résume, en gros : un riff, une idée, une expansion, puis les voix ajoutées dessus. Écoutes, re-écoutes puis intégration de tous les changements dans les instruments MIDI. Ensuite, pour le groupe, cela signifie nouvelles vérifications. Après avoir finalisé tous les changements, on envoie le morceau à notre producteur qui dit alors « hum ! changez ceci, un petit peu plus de cela... », et enfin, on a le morceau final... ou presque. En fait, le plus intéressant pour moi, c’est que les morceaux sont en évolution constante. Une fois qu’on a enregistré les morceaux, on les joue encore et encore et encore, si bien qu’à la fin on ajoute plein de trucs. Donc, si vous venez nous voir jouer sur scène, les morceaux ne sont plus tout à fait les mêmes que ceux des versions enregistrées.

Vous travaillez tous les deux au CERN (organisation européenne pour la recherche nucléaire, à Genève). D’une manière directe ou indirecte, la recherche scientifique (pure, de pointe) a-t-elle un impact sur votre musique ? 

SL : Pour sûr, oui, parce que nos vies sont directement influencées par ce qu’on fait et notre travail au CERN. Moi, je travaille sur une des expériences qui a pour nom CMS et je développe des détecteurs, plus spécifiquement des capteurs de silicium qui sont très très fragiles et très très... au cœur du détecteur, pour, disons, l’analyse physique. Je travaille avec des particules élémentaires et spécifiquement des mesures vectorielles et des trucs comme ça, mais je ne vais pas entrer plus en détail sur les noms des particules (rires).
PV : Donc Stefanos fait essentiellement de la physique et moi, je suis ingénieur en électronique. Mon travail consiste à aider les physiciens à développer les outils dont ils ont besoin. On obtient des spécifications sur le type de processus, le type d’expérience qu’ils veulent faire et on essaie d’implémenter les dispositifs typiques des systèmes électronique qui collectent des informations afin de les transmettre ensuite pour analyse aux physiciens. Donc, en termes simples, je conçois des systèmes électroniques pour acquisition de données !

Bien que votre label (The Animal Farm) soit basé à Londres, à ce jour, vous avez enregistré vos disques à Athènes, au Dudu Loft Studio. Vos origines grecques ont-elles contribué au choix du studio ?

PV : Tout d’abord le Dudu Loft Studio à Athènes, c’est celui de notre producteur Costas VERIGAS, qui est un très bon ami et un musicien très talentueux. Il joue dans un groupe de post-rock qui s’appelle AFFORMANCE. La première fois, on est allé là parce que c’était plus facile pour lui, puisque basé là-bas. Et puis, étant tous deux Grecs, ce n’était pas un problème pour nous de voyager, de voir aussi la famille. Pour le mini album, on a enregistré au même endroit, car on était très content du EP initial, donc il n’y avait pas de raisons de changer de studio. De plus, on avait aussi un concert à Athènes à la même période, donc on a combiné les deux... Par contre, le nouveau disque sera enregistré à Genève.

Sur le plan musical, vous vous définissez comme « alt-rock / post-punk » et plus encore. Je vous cite : « nos chansons vous transportent dans les clubs underground du Royaume-Uni ». Qu’est-ce à dire ? Quelles sont vos influences musicales ?

SL : PORCUPINE TREE, A PERFECT CIRCLE, ce genre de groupes progressifs. Paschalis est plus... JOY DIVISION, BAUHAUS, très post-punk. Et cela reflète bien notre musique parce que sa voix et la basse qu’il joue reflètent une approche post-punk plus sombre. Alors que certaines des guitares sont plus progressives. C’est un mix des deux.
PV : On pourrait donner quelques noms emblématiques du post-punk, du moins de la façon dont on le comprend. Pour les années 80, on pense plutôt à JOY DIVISION et BAUHAUS, donc. En ce qui concerne les années 2000, on parle des EDITORS et d'INTERPOL. Quant aux années 2020, c'est IDLES et SHAME. Ça, c’est notre monde du post-punk, qui n'est pas du tout le même pour d’autres personnes.

Dans votre premier EP, il y a une reprise de The end des DOORS. Pourtant, vous ne les citez pas dans vos influences. Pourquoi ?

PV :  Bonne question. C’est pas facile à se connecter avec les DOORS, c’est vraiment un autre univers. Ça n’a rien à voir avec nos autres influences... Mais en même temps, on peut dire que la musique qu’on fait est influencée par le côté gothique introduit par BAUHAUS. Or, si on se penche sur le gothique, comment il est apparu, un des morceaux précurseurs, qu’on appelle pré-gothique, c’est The end. Le documentaire très sympa sur Youtube, Avant BAUHAUS : comment le gothique est devenu le gothique ? montre comment un des morceaux qui a tout changé, c’était The end, mais pas les DOORS dans leur ensemble. Seulement ce morceau [Bien qu'elle y soit présentée en Reine du gothique, le documentaire omet de dire que NICO a aussi repris ce morceau, NDLR].
SL : Et, pour nous, si on fait la reprise d’un morceau, il faut que ça soit différent. Elle doit rester connectée avec la mélodie, bien sûr. On garde les paroles telles quelles, mais le but, c’est de mettre son style dedans. Par exemple, si vous écoutez la reprise de When the levee breaks de LED ZEPPELIN par A PERFECT CIRCLE, c’est complètement différent. Et c’est là l’intérêt. Vous prenez quelque chose que vous aimez vraiment beaucoup, qui vous influence, et vous adaptez votre style dessus. Vous gardez une connexion un peu lâche, mais vous offrez votre vision et cela devient plus intéressant pour celui ou celle qui écoute. On ne veut pas juste enregistrer la même chose... En fait, il n’y a aucune chance que vous fassiez mieux que The DOORS si vous jouez exactement la même chose.
PV : Il n’y aurait aucun intérêt de refaire à l’identique, ça n’ajouterait rien. Aussi, venant de groupes de reprises, on en avait marre de faire d'exactes reproductions de morceaux. C’est fini. On ne veut plus faire ça. Aussi, les covers qu’on fait sont très différentes des versions initiales. Il y a un risque, mais on le prend.
 
Revenons à votre dynamique premier EP intitulé Haneke Twins, sorti en septembre 2018. Une chose m’a marqué, c’est le côté très rock, très agressif en comparaison du deuxième disque, plus sombre, plus dépressif. Qu’en dites-vous ?

PV : Il y a une énorme différence entre les deux disques. Ça, c’est clair. Pour le premier EP, il faut dire qu'on n’avait pas trop réfléchi. On l’a composé en quelques semaines, puis on a pris l’avion et on est allés tout de suite l'enregistrer. Donc le style exact qu’on voulait faire n’était pas très clair pour nous. C’était un peu schizophrénique, on peut dire. D’ailleurs, il n’y a pas vraiment de connexion entre les différents morceaux. Par ailleurs, on vient d’un background de rock assez agressif. Du coup, le style de musique est naturellement agressif. On a passé beaucoup plus de temps sur Astronaut. Il est beaucoup plus travaillé, alors que son prédécesseur était plus spontané. Aussi, le nouveau disque qui sortira, on espère, d’ici la fin de l’année 2022, sera entre ces deux extrêmes. La vérité ou la juste balance, c’est vraiment au milieu. Ça devrait alors se sentir sur notre prochaine production. Grosso modo, à l’époque, on n'avait aucune expérience en matière de composition, même si on a fait des années de musique avec nos groupes de reprises. On en avait discuté une fois entre nous et il était ressorti que par analogie avec les études et le travail, jouer dans des groupes de reprises, ce serait comme faire des études à l’Université, au MIT, cela permettrait d'apprendre toute la théorie. Alors que faire sa propre musique, composer des morceaux, ce serait plutôt comme commencer son premier travail pour entrer dans l’industrie. Ce n’est pas la même chose. On a tout ce qu’il faut comme connaissances, mais leur application n’est pas du tout évidente...
SL : C’était tellement spontané avec le premier EP. Je me rappelle qu’on avait quatre morceaux à enregistrer. Je regardais Apocalypse now de Francis Ford COPPOLA et j’ai envoyé un message à Paschalis disant « Nous devons faire une reprise de The end des DOORS ». Je suis allé me coucher et au réveil, Paschalis avait envoyé une esquisse de la reprise, alors qu’on avait déjà réservé nos billets. Une semaine avant le départ on avait un nouveau morceau. Ce premier EP était définitivement très spontané.

En comparaison du dynamique premier EP, musiques et paroles du mini album Astronaut semblent beaucoup plus sombres. Où est l’optimisme, l’espoir, la bouffée d’air qui vous empêche d’étouffer ? Tout serait-il perdu ?

SL : Pour le premier EP, on s’était essentiellement consacrés à la santé mentale de la société. Nous voyions la pression que tout le monde subissait dans la vie quotidienne. Depuis, le COVID n’a fait qu’empirer cela, jusqu’à un niveau intenable. Donc, il faut parler. Discuter. Il faut aider les autres et reconnaître qu’on n'a que son prochain pour nous aider à survivre, à mener une vie normale. Le cerveau peut aller du bien au mal en une seconde. Et quand le cerveau va au mal en une seconde, il faut énormément d’efforts pour revenir au bien. Par exemple, dans leurs salles de bains, les gens se mettent face à leur miroir et se parlent. Ils entrent alors dans la boucle infernale qui se nourrit d’elle-même et devient toujours plus négative. Cela ne cesse d’empirer. Il faut donc rester ouverts. Si tu marches dans la rue et que tu vois quelqu’un en détresse, prends une minute pour juste lui demander s'il veut un café, ou juste parler, discuter. Ça peut vraiment changer la vie de certaines personnes. De nos jours, on est complètement aliénés. Si tu vas à la fenêtre et que tu prends une photo de la rue, chacun est sur son téléphone, fixant l’écran, sans voir ce qu’il y a autour. Il faudrait juste se déconnecter de cela, car ça va de mal en pis, chaque jour. Avec No way out, nous voulions aborder cet aspect de la vie.
PV : Comme on n’a pas répondu à la question initiale, à savoir « Y a-t-il un quelconque optimisme dans nos paroles ? », peut-être pourrais-je ajouter quelque chose... Pour le moment, je pense qu’on est particulièrement pessimistes, mais en admettant des choses et peut-être qu'en discutant ouvertement de ce qui se passe, on pourrait avoir un avenir meilleur. Mais actuellement, on n’est pas très optimistes et cela se reflète dans nos paroles. La première chose à faire pour résoudre un problème est de l’admettre. Admettons le problème, évoquons-le et la solution viendra peut-être. Mais si on ne l’admet jamais, cela n’arrivera pas. Donc, dans ce sens, nous sommes optimistes, parce que le simple fait de parler d’un problème pourrait nous aider à le résoudre ou à changer.
 
Dans Astronaut, vous parlez beaucoup de prendre sa vie en main, de choisir son destin en quelque sorte, mais vous critiquez aussi très fortement le monde d’aujourd’hui, des politiques à langue de bois en passant par les réseaux a-sociaux qui tuent les véritables relations humaines et nous entraînent dans la spirale infernale de la solitude, voire du suicide. Est-ce que je me trompe ? Je pense à Speechless, River ou Stuck in a loop.

PV : Oui, on critique la société telle qu’elle fonctionne aujourd’hui, avec différentes associations d’idées, différentes métaphores. Les choses ne vont pas bien. On essaie d’en parler et dans Stuck in a loop par exemple, on montre tout ce que Stefanos a décrit avant, des gens avec leurs téléphones qui ne regardent ni le ciel, ni la nature. La seule chose dont ils se soucient, c’est de savoir si on les like, je ne sais pas moi, sur Instagram, par exemple... En fait, si vous nous demandiez de décrire les thèmes de nos chansons, je dirais qu’elles traitent de questions sociales, politiques et psychologiques. C’est ça qui nous intéresse. D’autres artistes traitent d'autres aspects. On n’a pas besoin d’écrire plus de chansons sentimentales. Je pense qu’il y en a assez. Et pour River, c’est la même chose. Ça traite des difficultés qui font atteindre leurs limites aux gens. Le suicide est utilisé comme une métaphore. C’est un suicide psychologique et on ne dit pas ce qui s’est passé. Nous laissons la question en suspens. Chacun peut l’interpréter à sa manière. Mais le constat est toujours le même : la société nous amène aux limites de ce que nous pouvons supporter. C’est une réalité, c’est certain !

La question qui fâche : en lisant attentivement les paroles, on a l’impression non seulement d’une introspection de petits garçons qui refusent de devenir des hommes, mais surtout que vos textes s’attachent aux garçons, mais pas aux filles. Est-ce une erreur d’appréciation de ma part ? Où sont les femmes dans votre univers ?

PV : Ouchhh !... Je dois dire que j’ai eu peu de réticence avec cette phrase « I am a boy and I don’t want to become a man ». Mais c’est la seule qui fonctionnait. On n’a pas réussi à la modifier...
SL : Le garçon devenu homme fait référence au monde du transgenre...
PV : Je crois que c’est une très bonne question. Et elle nous tombe dessus comme ça... mais on est... on est vraiment pro-parité, égalité des sexes. Mais vous avez raison. On est cinq hommes dans le groupe, des scientifiques... (pause) C’est marrant parce que ma femme vient juste de me poser la question aujourd’hui, ce matin même. On discutait au sujet de la pochette du prochain album. Il fallait choisir entre un artiste féminin et un artiste masculin, et il semble qu’on ait préféré l’homme. Et ma femme a dit : « Mais, c’est n’est pas juste ! ». Et on a dit : « Ça n’a rien à voir avec le genre ! ». Elle n’était pas convaincue du tout.
SL : Il est vrai que le patriarcat est très très profondément enraciné chez tout le monde parce que c’est ainsi, du moins je peux parler pour moi, c’est ainsi que j’ai grandi. J’ai grandi dans le patriarcat. Donc, j’admets pleinement que j’en ai des cicatrices. J’essaie tant bien que mal de m’en sortir. On essaie de faire de notre mieux. C’est quelque chose dont on n’a cependant pas parlé entre nous. Oui, on n’en a pas encore parlé.
PV : On devrait définitivement se poser la question... C’est une promesse.
SL : Le prochain album, c'est une promesse...
PV : Ce qui est intéressant, c’est que nous essayons de soutenir activement la parité, mais cela ne ressort pas vraiment dans notre musique. Je veux dire, on le fait dans nos vies, tous les jours. On essaie d’embaucher une femme plutôt qu’un homme par exemple. Mais c’est très vrai que cela ne se reflète pas dans notre musique jusqu’à présent. Nous devons corriger cela, car ce n’est pas ce à quoi on ressemble, ce à quoi ressemblent nos personnages. Ce n’est pas nous du tout. Croyez-moi. Totalement le contraire. Mais vous avez raison, cela ne transfigure pas dans nos chansons...

De même, en douze morceaux, il n’y a pas une seule chanson d’amour. Qu’est-ce à dire ? Il n’y a plus d’espoir ou le sujet ne vous intéresse pas ? Vous êtes des scientifiques, alors ceci expliquerait peut-être cela (LOL) ?

PV : (rires) Oui ! Je pense l'avoir abordé précédemment... Dans la discographie mondiale, il y a vraiment beaucoup beaucoup trop de chansons d’amour qui parlent pour nous aussi. Je pense qu’on n'a rien à ajouter sur le sujet, même si tous on est amoureux de nos femmes, de nos conjointes, de nos enfants. Oui, je pense qu’il y a d’autres sujets plus importants à... Pas plus importants... D’autres sujets qui ne sont pas abordés et qu’on aimerait traiter. La question de l’amour est évoquée par la plupart des artistes. Il y en a beaucoup. Il y en a assez. Peut-être qu'un jour, on en écrira une aussi. Mais vraiment, il faut un peu d’équilibre. On parle d’amour, d’amour, d’amour, mais on ne parle pas de la société, on ne parle pas de politique, on ne parle pas des problèmes dans la vie. Donc, voilà, c’est une décision qui ne veut pas dire qu’on n'est pas amoureux. Tout le contraire. Dans notre vie, il y a de l’amour, on le voit, mais on trouve qu’il y a d’autres choses à dire que la plupart des artistes ne disent pas...
 
On sent une évolution aussi bien musicale que textuelle, une maturité en devenir. Qu’en sera-t-il du LP à venir ? Pouvez-vous nous en dire plus ?

PV : On va aller en studio pour enregistrer douze ou treize morceaux. On n’a pas encore décidé. Peut-être treize. On va enregistrer cette fois à Genève, à L’Usine [NDLR : centre autogéré, L’Usine est le bastion de la culture alternative à Genève et comporte plusieurs salles de concert, un cinéma, un disquaire, des studios d’enregistrement, etc.]. Il y a deux studios à L'Usine. On va faire la batterie dans celui des Forces motrices et puis les autres instruments dans l’autre studio dont on ne connaît pas le nom puisque qu’il est en train d'en changer... On va faire l’enregistrement jusqu’à mi-juin et puis on espère sortir l’album avant la fin de l’année 2022. Le label, ce sera Urgence Disk Records de Damien SCHMOCKER, alias Le BARON. On se réjouit de voir l’album dans son magasin de disques. Ce sera notre véritable premier album. Les sons, comme on l’a dit avant, seront entre ceux du premier EP et d'Astronaut. On touchera les influences des trois époques de nos références post-punk. Je pense que ça va être évident là. Je trouve que, malgré ces influences, cet album sera très personnel. Il y aura une identité très claire.

Quid des concerts ?

PV : La prochaine date, c’est le 30 avril, sur le festival Electrodark [rappel : l'entretien a été réalisé le 09 avril 2022, NDLR]. On n'a pas d’autres dates de prévues parce qu’on est vraiment concentrés sur l’enregistrement et qu’il est pour très bientôt. En mai 2022, on ne voulait pas faire de concerts du tout afin de se donner un peu de temps pour travailler sur des détails avant d’aller enregistrer. Il y aura plus de concerts à partir de l’automne. Pour le moment, on est focalisé sur l’album parce qu'un disque, ce n'est pas seulement l’enregistrement. Il y a tout un travail après... Et puis on essaie de se laisser un peu de temps pour vraiment sortir un bon produit, meilleur que les deux premiers. Un petit détail important : en fait, ceux-ci ont été enregistrés en trois jours. C’était très vite fait et j’aimerais ne pas refaire cela. Nos compositions méritaient plus de temps et on ne leur en a pas donné assez.

HANEKE TWINS, c’est désormais un groupe de cinq personnes...

PV : On est cinq, c’est vrai. Les trois autres, c’est un batteur qui s’appelle Emil KOULOURIS. Il travaille aussi au CERN. Lui aussi est Grec. Le bassiste s’appelle Paul ASPELL. Il est Anglais, originaire d’Oxford. Et puis le second guitariste s’appelle Andrés DELANNOY et vient de Porto Rico. Ça fait un an qu’on est ensemble. On passe de bon moments sur les répétitions, sur les concerts et on espère collaborer longtemps.

Est-ce qu’ils sont aussi sur les albums ou seulement en concert ?

PV : Pour l'instant, c’est juste en live. Pour le premier disque, on a enregistré avec un ami batteur qui nous a aidés, sinon tous les autres instruments on été réalisés par nous deux. Pour le deuxième, nous avons intégré d’autres musiciens qui ont finalement décidé de faire autre chose après. Maintenant, les autres membres du groupe (en concerts) vont venir enregistrer avec nous. Les compositions restent encore notre travail à tous les deux, mais peut-être que dans le futur, ils y participeront aussi. En tout cas ils vont être là pour l’enregistrement du nouvel album.

Quand j’ai découvert votre travail sur MX3, ce qui m’a le plus plu, c’est la séparation des guitares (une très claire, l’autre saturée) sur deux canaux distincts. C’est pour moi, une partie importante de votre son, avec la voix grave de Paschalis. Votre marque de fabrique en somme. Qu’en pensez-vous ?

PV : C’est vraiment intéressant d’entendre la séparation, de fermer les yeux et de visualiser le groupe. C’est une sensation presque visuelle, on dirait. Mais il faut fermer les yeux. Et puis ça ne ressort pas avec les téléphones portables, des trucs comme ça. Il faut des écouteurs. Mais ça ajoute quelque chose cette image stéréophonique. Cependant, c’est compliqué. Je comprends que la plupart des artistes, en général, font une condensation, une compression pour avoir tout au centre, parce que peut-être ça ressort mieux dans certains appareils. Si on écoute notre musique avec un téléphone portable, il y a une perte qualitative. Pour ceux qui écoutent notre musique, vraiment, ça vaut la peine de mettre des écouteurs, ça ajoute quelque chose. C’est presque comme un concert. Ça donne une information visuelle. Et au niveau des guitares (une très claire et l’autre avec un peu plus de gain), oui, elles sont séparées. C’est très facile à appréhender et c’est fait exprès. On veut avoir des mélodies très claires, pour distinguer ce que chacun joue. C’est notre but en fait. On adore ça, alors que très souvent les trucs sont très mélangés. Les résultats peuvent être magnifiques, mais c’est difficile à savoir qui joue quoi. Nous, en fait, on a rien à cacher. Tout est évident. C’est notre style de mixage et puis aussi notre producteur Costas adore ça. Il aime donner une sensation de live à notre musique.

Souhaiteriez-vous ajouter quelque chose de plus sur HANEKE TWINS ?

SL : Oui, on veut !... En se basant sur l'une de vos remarques, après que l'on se soit mis d’accord avec Paschalis, bien entendu, on promet que le prochain album aura beaucoup plus de présence féminine. L'un des morceaux évoquera très certainement Ann HANSEN, une anarchiste canadienne, fondatrice du Direct Action Group qui révèle un certain nombre de facteurs qui détruisent l’environnement. Donc on peut définitivement lui dédier une chanson, on travaillera assurément là-dessus. Aussi, merci pour ce commentaire sur les femmes, c’est très très précieux.
PV : C’est un appel au réveil ! Nous pensons que nous sommes ouverts... nous croyons que nous le sommes, mais cela ne se voit pas. Cela ne s’affiche pas et donc, nous devons corriger cela. Merci beaucoup pour ce commentaire...

You are welcome ! Ce n’était pas une critique, juste un ressenti. Merci à vous.

SL : C’était très très utile. Nous n’aimons pas les commentaires positifs. Nous aimons ce qui permet de nous améliorer. Donc, avec cette chanson, nous ne pouvons qu'évoluer en bien. Donc merci pour ça... C’était très intéressant. J’ai vraiment vraiment apprécié.
PV : Et merci de nous avoir invités. C’était un grand plaisir.

Article et propos recueillis par GROTOTORO

(alias Christophe Chazalon - Genève, UniBastions – B107, 10h-12h, le 09/04/2022)

(17 juin 2022)

(Cet article a été publié originellement sur le site du webzine de Casbah Records (web))

Un nouveau trio indie-punk helvetico-espagnol ? Notre correspondant Genevois a sollicité ses membres pour répondre à une interview.

En décembre dernier, après une résidence au Post Tenebras Rock de L’Usine, à Genève, les membres FIRE CULT, groupe fondé en 2020 dans la cité de Calvin, ont présenté leur premier EP, classé parmi l'indie-punk, mais plus sûrement à ranger dans le rock pur, et intitulé : We die alive. Cette étincelle de vie qui prend corps et au corps, emplie de joie de vivre et d’énergie positive, premier opus réussi (il faut le dire) du trio helvético-espagnol, s’avère être une fabuleuse et rafraîchissante promesse d’un futur possible à défaut d’être paradisiaque. En attendant les concerts et le prochain LP du groupe, notre correspondant en Suisse s’est lancé dans l’aventure et a interviewé FIRE CULT par écrit, à défaut de pouvoir les rencontrer en chair et en os. Ils n'étaient pas à Genève, mais en Espagne !

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Question BABA. FIRE CULT : qui ? Où ? Quand ? Comment ? Pourquoi ? (1 minute pour répondre)

FIRE CULT : Nous. Ici. Maintenant. Comme ça ! Pourquoi pas ?

Un trio « indie-punk » à Genève. Pourquoi cette ville ? Y a-t-il une scène, un public, une tendance à Genève ou est-ce juste parce que vous résidez entre Barcelone et Genève?

FC : C’est juste par hasard. Maintenant, on réside entre San Sebastian (au Pays Basque) et Lausanne / Yverdon-les-Bains, en Suisse. Et demain, on verra !

Premier EP, genevois qui plus est, mais pas première expérience. On retrouve Onneca GUELBENZU parmi les dynamites MIGHTY BOMBS (de chez Casbah Records, on adore ! ), VIRÜS, LAS FURIAS ou encore LAS PERRAS DEL INFIERNO. Jérémie MAGNIN avec L’EFFET PHILÉMON, NO BULLSHIT BABY et HUGS AND STITCHES, et enfin, Thibault BESUCHET parmi les membres d’ÉTIENNE MACHINE. Est-ce une envie d’une nouvelle expérience ou l’expression d’une amitié-connivence musicale ? Sachant que Jérémie et Thibault sont cousins, ceci explique peut-être cela ?

FC : Il y a l’amitié, le destin et la génétique. Comme un Space Odyssey (1968) de Kubrick, mais en version punk rock.

Quelles sont vos influences ? Vos groupes ou artistes fétiches ?

FC : On adore PIXIES, DEAD MOON, WIPERS, SONIC YOUTH, HÜSKER DÜ, DEVO, AQUABATS, WEEZER, The CLASH et une liste interminable. Nos influences, en fait, sont ce qu’on écoute, et on n’arrête pas d’écouter et de découvrir d’autres artistes chaque jour et dans tous les styles. On écoute aussi beaucoup de folk et de sons électroniques.

Le EP We die alive a été enregistré à Genève, au Rec studio, et mixé par Serge Morattel. Pouvez-vous nous en dire plus ?

FC : Ça a été une super belle expérience, et Sergio est un vétéran de la scène. Il a très vite compris ce qu’on voulait faire et il nous a donné un mix incroyable du premier coup... et des bons souvenirs pour toujours.


En général, comment composez-vous vos morceaux ? Ensemble ? Chacun amène ses idées ? L’un des membres est l’auteur(e) des textes ? Autres ?

FC : En général on jamme au salon, et on brainstorme des idées autour des apéros. Après, on prend le riff qui reste dans la tête et on en fait une demo sur l’ordi. Pour finir, on lui donne vie au local de répèt. On valorise le spontané. Si on doute trop sur une idée, c'est que ce n’est pas la bonne, tout simplement ! Un jour, on crée, un autre, on analyse. On fait la plupart du travail entre Jerem et moi [Onne], puis on finit en travaillant beaucoup de détails avec Thib et ses batteries magistrales.

Lorsqu’on lit les paroles des chansons de votre EP, on s’aperçoit que, d’une part, ce sont des chansons très courtes et, d’autre part, que vous jouez sur la répétition des phrases. On est à cent mille lieues d’un Lautréamont. Pourquoi ce choix ?

FC : Nous aimons beaucoup l’effet mantra et la musicalité des voix comme un instrument de plus. Pour nous, chaque morceau est un petit univers en lui-même, et la chanson est le véhicule pour entrer dans cette dimension.

Vos paroles sont simples, mais en même temps, lorsque l’on s’attache au sens, elles deviennent énigmatiques. Elles laissent une part d’obscurantisme, de non-dit qui offre une multiplicité d’interprétations. Est-ce un choix ou souhaitez-vous juste écrire des chansons percutantes (car elles le sont), aux phrases auditivement immédiatement accessibles au public ?

FC : Hahaha, nous sommes FIRE CULT ! Il faut bien savoir entendre et comprendre ce qu’on dit pour intégrer le Cult. La créativité, c’est très important pour nous et si on reçoit tout déjà tout cuisiné, on devient faible ! Il faut faire travailler la tête et la sensibilité et (se) reconnecter avec un sentiment d’intuition. Des fois, se poser des questions nous ramène à de nouvelles questions et tout devient plus intéressant.


LA QUESTION QUI FACHE. Vos chansons sont en anglais, alors que vous maîtrisez parfaitement le français et l’espagnol. Pourquoi utiliser uniquement l’anglais ?

FC : Parce que ça sonne beaucoup plus cool, non? Jajaja ! En fait, on a l’habitude de l’anglais, mais on n’est pas contre les langues maternelles.

Si on s’attache au sens de vos textes, on y décele une électrique envie de vivre (vous êtes le culte du feu, le feu sacré... (Red is best)), de profiter de la vie (Blooming circles, All the living things), de lutter contre la folie ambiante de l’Empire et aussi une critique à peine cachée du système dans lequel nous vivons (Satellite control). Quel est votre message principal ? Est-il fortement politique ou, à la mode punk, vous exprimez simplement une idée et que chacun en fasse ce qu’il veut ? « God save the Queen »...

FC : Nos paroles sont pour nous une ode à la vie, à l'énergie, à tout améliorer, à construire son propre univers et à traverser le présent avec du respect et de l’amour. C'est une fête dansante et sonore. Comme partout, il n'y a pas un côté sans l'autre. Nous disons aussi bonjour à notre coté obscur s’il faut et à tout ce que nous ressentons.

Qu’est-ce que vous entendez par « Hellelele » ? L’Enfer ? Une version de l’enfer plus ouverte et moins douloureuse que celle décrite par Dante ?

FC : Jajaja ! C’est un lieu hyper cool, un peu comme dans Le magicien d’Oz. Un monde fantastique où tu aimerais être, et tu chantes pour convaincre tout le monde. La clef, elle est toujours dans la tête. C’est là où tout se passe. Go to Hellelele !!


Vos autres groupes sont pour l’essentiel sous label. Qu’en est-il de FIRE CULT ?

FC : Nous avons un label en Espagne, à Madrid, Lucinda Records, et nous avons formé notre propre label, We Die Alive Records. Nous avons aussi notre label genevois : Urgence Disk. Les labels DIY se font des âmes romantiques, et on est fier d’y rentrer et d’aider d’autres groupes à suivre leurs rêves. Thib est avec ÉTIENNE MACHINE sur Blizzard Audio Club and Hummus Records. Tous des gens très cool.

Avez-vous des dates de concerts prévues prochainement ? Une tournée ? En Espagne ? En France ? En Suisse ? Ailleurs ?

FC : Nous sommes en train de booker une tournée France-Espagne pour novembre 2022 et beaucoup de surprises vont arriver.

Quelque chose à ajouter ?

FC : Join the Fire Cult et tout ira bien !!! 

Article et propos recueillis par Grototoro(28 juin 2022)

(Cet article a été publié originellement sur le site du webzine de Casbah Records (web))

La découverte d'un nouveau monde musical par notre correspondant Suisse.

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Il ne sert à rien de mentir. Lorsqu’on a découvert le nouvel album See through you de A PLACE TO BURY STRANGERS, c’était la première fois qu’on écoutait la musique de ce groupe new-yorkais. La faute à bingO, le rédac'chef qui nous a balancé l’album parmi tant d’autres. « A » étant la première lettre de l’alphabet, le groupe était le premier à devoir être écouté. Tout bête. Et peut-être aussi la faute à cinq années de vie au Cap Vert, sous les tropiques entre morna, coladeira et funana... Quoi qu’il en soit, on a immédiatement filé chercher les cinq autres albums (A Place to Bury Strangers (Killer Pimp / Rocket Girl / Important Records, 2007), Exploding head (Mute Records, 2009), Worship (Dead Oceans, 2012), Transfixation (Dead Oceans, 2015), Pinned (Dead Oceans, 2018)) pour être sûr de savoir de quoi on allait parler, mais plus encore de comprendre comment on en était arrivé là. Car là est bien la question : comment en est-on arrivé là ?
 
Commençons par le début. A PLACE TO BURY STRANGERS (aussi APTBS, soit UN ENDROIT POUR ENTERRER LES ÉTRANGERS en français) a été fondé par Oliver ACKERMANN en 2003 et se définit de lui même comme « le groupe le plus bruyant de New York ». On n’est pas allé vérifier et en fait, on s’en fout. Sans nul doute qu’il y a plus bruyant et alors ? Question de définitions et de connaissances. Mais, de fait, pour être « bruyant », APTBS est bruyant. Ça c’est sûr ! Aucun doute là-dessus ! Disons que les APTBS n’aiment pas le vide, les silences, les moments calmes. Leur musique est toujours en flux tendu, remplissant les oreilles pour éviter tout gaspillage d’ondes audibles, ou empêcher de fermer l’oeil, de reprendre son soufle (The Falling Sun). Pour les accros mainstream des cases biens remplies, on peut dire que les compos de APTBS se situent dans un mélange de showgaze /nu-gaze et de noise pure. De suite, c’est plus parlant, pas vrai ? Certains esprits parlent également de psychédélisme. Pourquoi pas ? Autre certitude, ils ont parfaitement intégré le shoegazing et le grunge des années 1990 et ont choisi délibérément de les fusionner pour aller voir du côté des ultras-limites. On y reviendra. Et quand on dit « ils », il faut comprendre « Oliver ACKERMANN », car le groupe a connu une évolution systémique depuis le premier album, avec une seule constante : le fameux Oliver ACKERMANN, qui sévit au chant et aux pédales de guitares Wah-wah, Chorus, Delay and Co. Aussi, sont passés par là les bassistes Jonathan SMITH (2003-2010) et Dion LUNADON (2010-2020), ainsi que les batteurs Jason WEILMEISTER (2003-2012), Robi GONZALEZ (2012-2018), Lia Simone BRASWELL (également au chant / 2018-2020). Pour ce sixième album, Oliver ACKERMANN s’est entouré du couple Sandra (batterie) et John (basse) FEDOWITZ, membres de CEREMONY EAST COAST et vieux copains d’Oliver. Les deux hommes jouaient il y a fort fort lointain dans SKYWAVE.
 
Question comparaison, d’une manière trop générale pour être vraie, les critiques comparent quasi systématiquement APTBS aux JESUS AND MARY CHAIN, peut-être parce qu’ils ont joué ensemble ou plus sûrement dans un effet de mode « copier-coller » si tendance dans le milieu de la critique, car perso, nous, on voit pas pourquoi. Ils font de loin beaucoup plus penser aux autres maîtres es-shoegazing, MY BLOODY VALENTINE, copains de Sofia COPPOLA (Lost in translation, 2003), ou leurs suiveurs-successeurs, mais en beaucoup plus névrotiques, red-bullifiés, limite destroyed. Et pour cause, les cinq premiers albums de APTBS sont hyper shoegaze. Tout y est. Le fameux mur du son de Phil SPECTOR, les racks de pédales sont au sol, les mélodies lancinantes et rêveuses, le tout soutenu par un duo basse-batterie d’enfer, tonique à souhait. Il faut dire que côté pédales, ACKERMANN s’y connaît puisqu’il est le patron (CEO) de la société Death By Audio qui fabrique... des pédales d’effets pour guitares, ainsi que, chose beaucoup moins connue, des synthétiseurs. À ce sujet, ACKERMANN expliquait il y a quelques années : « Nous ne nous sommes pas vraiment concentrés sur cela, mais nous en avons construit un certain nombre que nous utilisons parfois avec APTBS en concert, ce sont des synthétiseurs à l’intérieur de boîtiers ou de guitares, ce sont des synthétiseurs basiques, on peut pratiquement faire ce qu’on veut avec » (web).

Conscience professionnelle et liberté
D’un autre côté, à l’occasion d’une interview sur KEXP, de Seattle, pour la sortie de Transfixation, le présentateur Stevie ZOOM s’intéressait aux influences, sur APTBS, de DEAD MOON, un groupe de Portland qui a punkifié LED ZEPPELIN ou les ROLLING STONES (du temps où ces derniers faisaient encore du rock). La réponse d’APTBS, hésitante mais polie, fut celle-ci : « leur musique est si honnête et réelle et graveleuse. On a essayé de faire de même. La musique est différente mais... on a essayé de faire la meilleure musique possible ».
 
Peu importe. Revenons au sixième album. Pourquoi a-t-il si fortement marqué notre oreille alerte ? Lorsqu’on débute l’écoute de See through you, on entre directement dans le vif du sujet avec Nice of you to be there for me. Pas d’introduction. Malheur !... Pire. Un horrible horripilant beurkifiant beat à la mort-moi-le... agresse les oreilles, esseulé durant trois secondes micros qui paraissent une éternité. Détestable à souhait, on a failli couper, tellement ce son primaire heurtait nos conduits auditifs. Et puis, la conscience professionnelle, quand même, faut faire un effort. On a cliqué plus loin. Une minute, vingt trois secondes et là... Ben... retour au beat techno à deux balles. Et oui ! Pfuittt !... La claque. Ce premier morceau de See through you marque clairement que A PLACE TO BURY STRANGERS a non seulement atteint la maturité (six albums sur près de vingt ans, ça aide), mais plus encore, APTBS a atteint la chose la plus précieuse peut-être pour un groupe : la liberté. La liberté de sortir des carcans, du mainstream, des contraintes et de se limiter à faire ce qu’on a envie de faire, même si c’est risqué, même si c’est fou, même si c’est stupide. Et ce n’est pas anodin de savoir que durant la pandémie de COVID-19, alors qu’il était atteint du mal épuisant et mortel, ACKERMANN a composé (80 à 90 chansons dit-il), travaillé d’arrache-pied et décidé de fonder son propre label : DedStrange.
 
L'inaudible devient audible
Nice of you to be there for me est une chanson dont la partie musicale franchit sans ambages ni remord les limites de l’audible, du convenablement correct, de la production « pour plaire aux oreilles », profilée par les productrices-producteurs majors ou indés. Très ouvertement, les guitares saturées, mixturées, maltraitées par les pressions de boutons sur les pédales du rack shoegazien, accostent l’interdit des maudites fausses notes, des sons rejetés, refusés, dénoncés comme impropres. On peut écouter encore et encore ce morceau, ou plus brutal, Dragged in a hole, plus industriel Ringing bells. Fasciné par ses sons inattendus, frais, dissonants, stridents et tant décriés, A PLACE TO BURY STRANGERS tient la route, dépasse le cap et se retrouve dans le Nouveau Monde. Le laid devient beau. L’inaudible audible. L’expérience risquée une réussite totale. En deux mots : O-N-A-D-O-R-E ! Nul doute que ce son là, ou plutôt cette approche fera des petits, des émules avertis et aventureux, et marquera la musique rock de demain, tant elle bouleverse les codes, choque et fascine tout autant. Tout l’album emporte l’esprit vers de nouveaux horizons, jusqu’au deux derniers morceaux, I don’t know how you do it et Love reaches out qui, eux, retrouvent, dans un mouvement decrescendo le shoegaze des débuts, des premiers albums, devenus traditionnels et proprets, pour rêveuses et rêveurs assoiffé(e)s de solitude, d’introspection, de rupture avec le monde environnant.
 
Merveilleuses pédales
Comment en est-on arrivé là était la question ? Une partie de la réponse est donnée par Oliver ACKERMANN himself. Pour le Guitar Summit Web Camp 2020, il explique comment est conçu son rack de pédales d’effets, mais plus encore, comment il l’utilise. Un pur régal de découverte. Peu de choses sont laissées au hasard. ACKERMANN connaît parfaitement, en bon fabricant, les potentialités de chaque pédale, de chaque bouton et en use à merveille, pour sa guitare tout autant que pour sa voix.

Ce qui nous amène, pour achever ce papier, aux paroles. Il faut dire que, là, rien de nouveau. L’ensemble de l’album, noir et dépressif, parle d’amour-haine (Nice of you to be here for me, Hold on tight, Love reaches out), de souffrance (I’m hurt, My head is bleeding), de solitude ou d’amour impossible (I disappear, Anyone but you), d’échec (Dragged in a hole, Ringing bells), de déception (So low, Broken) et d’espoir tel que dans I don’t know how you do ou Let’s see each other qui commence par :

Open your heart to me
Explore the fantasy
We've got a chance to be together
Let's meet up late tonight
Indulge in pure delight
Syncopate our hearts to fiercely flutter

 
Rien que pour vivre à plein ce son enchanteur et décadent, mais si revivifiant, on lui ouvrirait le nôtre sans limite. Reste à savoir s’il sera possible à APTBS d’aller plus loin, d’innover encore et de progresser sur les mers du soi-disant non audible pour nous apprendre à percevoir autrement, autre chose.

 Grototoro, depuis Genève (30 août 2022)

(article publié originellement sur le site du webzine de Casbah Records  (web))

Eh voilà ! Time flies tellement que déjà six mois se sont écoulés sans qu'on ne les ait vus passer. Heureusement, pour les mémoires courtes ou fugaces, quelques traces bytes-siennes persistent et signent, parfois (mais pas toujours), sur des labels clairvoyants et aventuriers qu'on ne saurait que trop louer. Vive qui pourra !

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Aussi, voici venir l'heure où Grototoro le gros, défricheur immémorial de la suissesse plateforme de Mix m'en trois (MX3 pour les adorateurs d'acronymes pastiches), est de retour pour une deuxième playlist for The Casbah de pure pure musique Suisse comme vous n'en entendez pas souvent sur les ondes franciliennes ou provinciales de l'Hexagone et par-delà. Et quelle playlist, mes aïeux ! Quelle playlist !!! Aussi longue et doucereuse que l'été languissant d'épuisantes sudations qui se meure. Notons cependant, avant de taper dans le gras du lourd, que si elle fait la part belle au Rock and the Pop (on est sur le webzine de l'émission radiophonique Rock à la Casbah quand même ! ), elle dépasse volontairement les frontières des moules et autres carcans de goûts, paroisses de prés carrés élimés et définis du mainstream assourdissant d'onanisme monétaire de la planète business et ses planches à billets. En effet, en quelques mois, les pépites musicales ont éclaté dans tous les horizons hertziens des synapses dopaminées sans prozac de bien-être, élément trop souvent prescrit par les gens appelés, non sans raison, Docteurs, tout comme nous, d'ailleurs ! Alors oui ! On pourrait vous proposer du Émilie ZOÉ, l'incontournable maîtresse de la scène musicale helvète d'aujourd'hui et pour cause... ou du BLACK SEA DAHU, tou(te)s deux tant apprécié(e)s de Sua Excelência Dame Jordane et des Casbahziens de la diffusion radiophonique valentinoise du Sud hexagonal (cf. émissions #765 et #781). Mais pourquoi, Grand Dieu, pourquoi toujours ressasser le connu, alors que la place manque tellement à l'inconnu, dévoilé dès à présent, ilico presto, devant Vous, Chères Lectrices, Chers Lecteurs ? Hein ? Pourquoi ?
Éternelle question... sans retour.
 
 S t i m u l a t i o n s
Pour commencer, faisons fi des obligations et des catégories privilégiées et jetons simplement notre dévolu sur ce qui nous a stimulé l'aire tegmentale ventrale du mésencéphale et le noyau accumbens du cerveau à l'écoute de la Planète Bleue, Notre Mère Terre à tous... une petite bière en sus ! Tout d'abord, les coups du cœur écoutés, visionnés ou re-, en boucle, du soir au matin, du jour au lendemain. Ce sera trois femmes et quelques acolytes. Eh oui ! Notre straight-hétéronisme teinté de gay-friendly absolu n'y est pour rien. Seule la musique compte ici, notamment celle de Lily CLAIRE, la dernière à s'être dévoilée à travers sa Bretagne, un pur joyau autoproduit de dentelle zurichoise tournée vers la côte ciselée d'or fin de l'Armorique ancestrale. Que de douceur, que de finesse, que de soyeuse mélopée en langue françoise des plus exquises. Que dire de plus ? Une chanson parfaite comme on aimerait en entendre plus de partout où porte le regard !
 
Elle est suivie de très près par une autre voix féminine dont on ignore tout car Move (Audéo Production ?, 2022) est le fruit du Zurichois Bilgi, alias DEZABEL. Celui-ci nous offre une plongée dans une pop au goût d'Afrique noire moderne et rebelle, sans nous dire cependant (quel effroyable ignominieux personnage ! ) qui chante. Regrettable oubli pour sûr, mais du pur eye candy pour le visuel qui ravive tant de souvenirs enfouis dans les temps pré-covidiens à jamais perdus ! [ajout post publication : la chanteuse s'appelle Jazelle PARIS aka JVZEL, NDLR].
Last but not least pour cette entame, nous retournons du côté d'un autre bout de lac : le Léman, à Genève, où l'équipée sauvage et fort sympathique des CAPTAINS OF THE IMAGINATION nous a simplement offert le Tube de l'été 2022 : Last night (Evidence Music, 2022), soit les aventures d'une nuit enfumée et sans alcool (étrange ! ) aux lendemains honteux et confus. Evita KONÉ, Dr KOUL et IMAGINE nous gravent alors dans le cerveau un refrain inoubliable de hip hop – soul – funky music de la meilleure facture, qui trotte sans relâche jusqu'à épuisement, shaker de neurones hilares ! « Oh ! Ahahahhh ! What did you say... those things to me... to me last night... Oh ! Ahahahhh !... » Tous en chœur !

O ù   d o n n e r   d e   l a   t ê t e   ?
Voici, dès lors, le temps de pSPIT/LOVEasser aux choses sérieuses, à ce qui vous captive toutes et tous : le Rock and the Pop ! Qu'en est-il ? Eh bien ! pour être franc, on ne sait plus trop où donner de la tête, tant la production helvétique printemps-été 2022 a été généreuse. Le morceau qui nous a le plus attiré est presque un ovni : sa structure est étrange, sa durée de 6'30, contraire à la règle radiophonique, mais, c'est là l'essentiel, SPIT/LOVE (Autoproduction, 2022) des vieux de la vieille du groupe bernois LIA SELLS FISH est à l'image d'un orgasme qui monte, qui monte, qui monte, qui monte et explose enfin dans une débauche de cris et de jouissances extrêmes, poussant le commun des mortels ou sa consœur vénusienne à cliquer frénétiquement sur REW. Encore, encore, encore, encore... jusqu'à l'absolution divine du ouiiiiiiiiii final. Rédemption accordée ! Notons toutefois que l'abus de drogue, quelle qu'elle soit, est dangereux pour la santé physique ou mentale de tout être humain et des Autres aussi ! Y a pas d'excuses ! On n'exclut personne.
 
Hormis ce morceau d'anthologie, le mois d'août nous a aussi délivré un petit cadeau comme il en existe peu avec les petits cochons de HORNY DOLPHINS. Un groupe de jeunes schwitsois, perdu au milieu de nulle part, qui en seulement trois morceaux nous amène à rêver et à dire : « Wahouuh ! ». Combien de groupes ont été capables de produire si peu et si bien ? You say this (because they say so), Weird flex et Friends of a friend sont tout simplement les prémices de la découverte suisse de l'année. Un rock franc, assuré, précis sans être précieux, flirtant sur les sonorités des ancêtres sans s'y perdre... Une réussite. Certes, il reste trois mois d'ici We wish you a Merry Christmas, mais bon... La barre est placée tellement haut qu'il faudrait un miracle pour faire mieux. On espère - qui sait ? - mais les HORNY DOLPHINS nous enchantent et on les soutient pleinement dans leur aventure, d'autant plus qu'ils sont (très jeunes et) non encore labellisés. À bon entendeur...

R e v i v a l s   e t   g â t e a u x   d e   l ' e s p a c e
Dans un registre revival 60's, on retiendra le brillant Speedmaster (Taxi Gauche Records, 2022), tiré du troisième album Freedomspacecake de Harvey RUSHMORE & The OCTOPUS. Pas sûr que les space cakes soient la véritable substance absorbée par les déjantés Bâlois de la ville (en opposition, comme les rats, à ceux de la campagne, un autre canton suisse). Speedmaster se déploie en effet avec une frénésie, une tension ininterrompue, une nervosité schizophrénique, synonyme d'hyperactivité, qui ferait entrer en transe le plus endormi des paresseux d'Europe, sur le modèle des créations de notre groupe fétiche, les Californiens fous d'OSEES (que notre rédac' en chef déteste tout aussi absolument, eh oui ! rien n'est parfait, les OSEES... pas notre rédac' en chef adoré, on aura compris ! ) et leur inoubliable live Levitation Sessions I (Levitation, 2021) à double batterie survitaminée, un des meilleurs albums de 2021 à notre sens, et tout particulièrement à travers le titre Chem farmer. 
 

Dans un esprit Riders on the storm des DOORS (revival 70's ? ), on pourra poursuivre avec What is it (Autoproduction, 2022) de WORRIES AND OTHER PLANTS (WaOP), qui n'ont cependant rien à voir avec Robert, au contraire des Argoviens de BELL BARONETS et leur Money ain't time (Autoproduction, 2022), morceau des plus ledzepeliniens. Quoi qu'il en soit, l'été demeure, la canicule aussi, la chaleur encore et toujours, et quoi de mieux que la sieste pour supporter le temps démoniaque des après-midi desséchants d'ennui ? Le rock-blues-jazzy des Saint-Gallois du Nord de WaOP aide à avancer dans l'éblouissante luminosité sans nuage qui nous écrase tous, les yeux fermés.

E x c e p t i o n s
Au réveil, on en avait déjà parlé dans notre première playlist - mais, faut des exceptions à tout -, ce sera le tour des Lucernois de BINARY SUNSET qui signent encore un single du meilleur effet et en français, excusez du peu. D'où notre favoritisme absolu et notre subjectivité outrancière de les citer deux fois en deux sélections. Mouette sale (Autoproduction, 2022), c'est du rock dans la plus pure tradition française, mais Made in Helvétie. On peut, pour compléter le tableau, leur associer Les VENDANGEURS MASQUÉS du Pays de Vaud qui ont soif d'un Retour à la terre (Autoproduction, 2022) et ne plus se laisser faire, embarqués sur les traces des Frenchies de LOUISE ATTAQUE et BLANKASS.
 

La Suisse italienne n'est pas en reste avec Les BARBIE SAILERS. Ces derniers n'apportent peut être pas de grandes nouveautés à la planète rock, mais leurs compositions sont franches et de bon aloi, tel In extremis (Autoproduction, 2022), à l'image des Bâlois DED ELK et leur single No future, no sleep (Autoproduction, 2022). Nous avons aimé, quand bien même le People like you (Autoproduction, 2022) de HER NAME WAS CLAIRE nous semble un pitchouya de cran au-dessus niveau créativité.
T o u j o u r s   l e s   m ê m e s   !
Au départ, on n'aimait pas les MONOTRONE, faut dire (rien ne sert de mentir, il faut arriver à point, dit le proverbe), et puis, en quelques mois, ils ont travaillé, travaillé, travaillé et ont fini par produire des petites pépites de bonheur plus que parfaitement audibles, dont Isolation (N-Gage Production, 2022). Leur son s'est précisé, dans le pur style mainstream suisse il est vrai, mais qu'importe, les mélodies sont saisissantes et la production impeccable. On a hâte de les découvrir en concert.

Pour le métal punky donky, on regardera du côté des « toujours les mêmes » (des Zurichois, encore ! Y en a eu que pour eux cet été ! ) de LYVTEN et leur Digitaler dreck (Kidnap Music Records, 2022), tout en suisse allemand qu'on n'y comprend que pouic, mais que ça le fait quand même. Comme quoi, quand c'est bon, c'est bon ! Comme dans le cochon !
 

Si on cherche quelque chose de plus musclé, il faut aller voir du côté du pays du fromage de Gruyère, à Fribourg, avec les emo punk de RUINED. Le titre Regret, tiré de l'album Everything is (Inhumano Records, 2022) est percutant, digeste et donne l'énergie vitale d'un post lendemain de cuite, le lendemain étant mort d'office (expérience vécue dix puissance X fois).

Avec leur côté DEPECHE MODE, les Bernois de PLAGUE PITS ne sont pas en reste. Golden age of carnage (Autoproduction, 2022) navigue sur les franges de l'électro rock, sans pour autant sombrer du côté obscur du beurk qu'on n'aime pas, autant tout dire. Notons en plus, que tout fraîchement éclos, ils n'en sont pas moins prolifiques. À suivre donc ! Et comment passer sous silence la parfaite ligne de basse et rythmique du poppy-rocky Raise a glass (Wild Waters Records, 2022) de l'Autrichienne Saint-Galloise, THORN ? Un morceau simple, mais si plaisant d'efficacité que ça donne fortement envie de sampler un petit bout !

C o n c l u s i o n   f e s t i v e
Enfin, car il faut conclure quand bien même on voudrait dire plus, offrir plus à découvrir, élargir les horizons vers l'infini intersidéral de l'univers rock, la dernière touche féminine hors cadre de cette playlist. C'est pour nous probablement un des albums de l'année 2022, même si dans la veine du reggae-ska peu Casbahzien: Chameleon (Staudenmann Records, 2022) de la délicieuse jeune Bernoise SAMORA.. Un déluge de featurings exquisement bienvenus, dont LA TIFA, Dr RING DING ou Guillaume HOARAU, avec, fait rarissime : quasi rien à jeter ! On se laisse emporter sans ambages sur les flots de Take it easy, Reggae I'm in love ! ou encore du dansant My way, que le charme, la jeunesse et la vitalité de SAMORA transcendent avec simplicité et brio, nous faisant oublier que l'été... oui, l'été... eh bien, c'est fini ! Yes ! Enfin ! C'est fini !
 
Et pour fêter ça, quoi de mieux que le Sugar (Autoproduction, 2022), au nom prédestiné au vu de cette playlist, des PEDESTRIANS d'Argovie (un land perdu au cœur antique du pays chocolaté) ?

Bon retour au travail à toutes et tous ! Vive le froid, vive la neige et l'hiver qui arrivent. À moi la Tartiflette, le Fendant et les meringues à la crème de Gruyère !

 GROTOTORO, Genève (16 septembre 2022)

(article publié originellement sur le site du webzine de Casbah Records  (web))

Contrairement à ce que son nom pourrait laisser présager, la musique du groupe suisse-italien BUMBLEBEES ne file pas le bourdon. Notre correspondant Genevois se charge de nous faire découvrir ce pur nectar sonore.

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Tout a commencé en mai 2022, avec un vidéo-clip visuellement bluffant d’animation en papier. Little fish nous a emballé au premier regard tellement il est coloré, frais, amusant, bien fait, intelligent, à mille lieues au moins de ce qui se diffuse sur les écrans actuellement... Quelques jours plus tard, on retenait un single au titre de Older qui nous allait si bien, quand bien même le contenu était plus poppy dansant que psyché planant, vieillesse oblige. Tous deux ont intégré le top de nos playlists du moment (web). Peu importe ! La musique des BUMBLEBEES (BOURDONS en français) est un pur nectar pour les oreilles. Et ces deux singles esseulés se sont, en fait, avérés être les prémisses du second LP du groupe, autoproduit avec un brio aux limites de la perfection, Paper boat, sorti à l’aube des fêtes de tous les Saints et des morts d’hier, grand Dieu ! Impossible donc de résister à la tentation pécheresse et gourmande d’une petite incursion dans le monde dream pop nu-psychédélique des BUMBLEBEES, du candy ear (ou « sucre candy pour les oreilles » en français) qui fait du bien, même pour les non diabétiques, avec un chouilla de réminiscence PET SHOP BOPienne et de leur ELECTRONIC Band collatéral. Cet attrait pour le Paper boat n’est cependant pas anodin, car la forme enjouée cache délicatement la profondeur du fond.

En fait, j’ai toujours refusé de grandir, au grand dam de ma très chère maman qui ne cesse de se lamenter et de m’assourdir les oreilles avec un « Mais enfin, quand est-ce que tu vas te décider à devenir adulte ? ». Réponse (définitive, indéfectible, assurée, géniale - Vive moi ! ) : JA-MAIS ! À 20 ans, ça passe. À mon âge, y a plus rien à espérer sauf pour celle qui m’a engendré et sevré. Qui puis-je ? Et ce choix, je l’affirme, est des meilleurs car, qui mieux qu’un enfant peut apprécier les sucreries de la vie, hein ? Un adulte ? Laissez-moi rire ! « Haribo, c’est que pour les enfants » (web), ça veut tout dire, non ?! Faut bien que la pub serve à quelque chose quand même !
Mais revenons à l’essentiel, au concret. Les BUMBLEBEES, c’est un groupe suisse-italien, du Tessin (au milieu du Sud du pays du chocolat, où on trouve surtout… des Suisses-allemands, désolé), composé de cinq gugusses (les frères Emanuel et Valentin KOPP, Andrea PIFFARETTI, Nicolò TAMÀ et Francesco FABRIS, auxquels il faut ajouter Joanna KOPP pour les lyrics de Little fish - bravo à elle, une des meilleures chansons du LP, avec Seastar / Sister et Almost nothing) qui grandissent (comme tout le monde, en fait), tout en gardant leur âme d’enfant et qui ont décidé pour composer et produire leur musique de se home-baser à Zurich… la capitale de la Suisse alémanique. Vous suivez ?

Après un premier EP autoproduit (Pollination, sorti en 2017) et un premier LP sorti chez Radicalis en 2019 (Dancing dots in the dark, voici qu’ils récidivent avec un LP dix titres parfaitement abouti et homogène. Dans une interview accordée au magazine online Tio (en italien), Andrea PIFFARETTI explique que Paper boat est le fruit de l’évolution des membres du groupe, une maturité naturelle et forcée à la fois, en particulier à la suite de l’épidémie de Covid-19, et que de ce fait, « certaines chansons sont des extraits de [leurs] expériences personnelles. Dans certains passages, les incertitudes et les doutes liés à ces changements émergent ». Plus encore, dit-il, il y a un fil rouge qui lie toutes les chansons. Pour PIFFARETTI, l’explication est simple : « nous sommes allés à la redécouverte de ″l’enfant intérieur″ qui nous habite, et c’était agréable de cheminer à ses côtés durant ce voyage ». Au final, le constat est des plus clairs : Paper boat est un album plein de positivité, de fraîcheur et offre à l’auditeur une sorte de joie de vivre à l’écoute.

Mais quel(s) message(s) véhicule(nt) ces dix morceaux ? Le temps qui passe sans fin et ses effets corrupteurs ou magiques sur chacun de nous. Peut-on garder ses rêves d’enfant ? Doit-on grandir tout de suite ou peut-on attendre un peu, voire un petit peu plus (Older) ? La vie infinie qui nous environne est effrayante, tout y est possible. Alors comment grandir dans ce monde ? À qui se fier ? Quelle(s) voix suivre (Little fish) ? « The only constant is uncertainty (La seule constante est l’incertitude) », où qu’on aille, quoi que l’on fasse, et pire, tout n’est qu’illusion ou voué aux limbes de la fatale disparition, inévitable. « And we’re always somewhere, balancing between black holes (Et nous sommes toujours quelque part, en équilibre entre les trous noirs) » (Delicate limbo). La vie, grandir, vieillir, c’est oublier ses rêves et retrouver la raison. Mais la raison fait mal. Elle blesse, elle est sombre et rarement rayonnante. « Reality and dreams may be equally insane but dreams are so much better at alleviating pain. I don’t care if you forget me when I’m dead. I don’t care if you forget me when I’m dead. I won’t be there to have regrets. But I’m afraid you might forget me while I’m here (La réalité et les rêves peuvent être tout aussi fous, mais les rêves sont tellement meilleurs pour soulager la douleur. Je m’en fous si tu m’oublies quand je serai mort. Je ne serai pas là pour avoir des regrets. Mais j’ai peur que tu m’oublies pendant que je suis ici) » (Lightheartedness).
On est jamais loin du « Carpe diem, quam minimum credula postero (Cueille le jour présent sans te soucier du lendemain) » d’HORACE, à la différence près qu’HORACE parle de vivre sa vie pleinement, maintenant, sans penser à demain, alors que les BUMBLEBEES parlent de vivre le moment présent en contact avec l’Autre. Il ne suffit pas d’exister, mais d’exister en complicité avec le regard des autres, dans le moment présent. Serait-ce finalement cela vivre ? Dans le doute ou l’incertitude, il suffit de se souvenir, l’esprit vagabond, de regarder son passé et se remémorer les moments de partage, les moments aimés, les bons moments, tout en attendant ce futur qui toujours vient, inlassablement, remplissant le vide dont on ignorait tout jusque-là (Roving mind). Dans ces moments de doute vient la pensée délétère : à quoi ça sert ? Pire, sans toi, à quoi bon ? « The sounds I make don’t mean a thing when there’s no one listening (Hey, is anyone listening ? ) (Les sons que je fais ne veulent rien dire quand personne n’écoute (Hey ! Est-ce que quelqu’un écoute ? )) » (Waiting list). À quoi bon vivre dans la solitude ? Mais, a contrario, qui peut dire ce qui est ? Qui peut être sûr ? « Yesterday, today was tomorrow. Does it mean that the future is now? (Hier, aujourd’hui, c’était demain. Est-ce dire que le futur c’est maintenant ? ) » (Your guess is as good as mine). Celui qui dirait autre chose, aurait-il plus raison que moi ? Qui sait ? Alors que faire ? Allez de l’avant, bouger. En bougeant, on n’est pas seul. On finit toujours par entrer en contact avec quelqu’un et même dans le noir, on peut avancer car au final, la lumière est en nous et parce que la lumière est en nous, on peut sans autre se dire « I don’t know where I’m going, I don’t know where I’ve been, but I could go wherever as long as I keep moving (Je ne sais pas où je vais, je ne sais pas où j’ai été, mais je pourrais aller n’importe où tant que je continue à bouger) » (Seastar / Sister). C’est là que réside l’espoir, l’espoir de vivre toujours heureux ou presque. Car la rencontre est une promesse de possibles infinis, même si « You, you told me almost nothing, nothing at all about your deepest sorrows, it would feel so good to meet again tomorrow (Toi, tu ne m’as presque rien dit, rien du tout sur tes peines les plus profondes, ce serait si bon de se revoir demain) » (Almost nothing). Au final, quoi qu’on en dise, on se ressemble, même si on n’est pas pareil. Et c’est cela qui est bien. Ce n’est pas grave, pas plus que « Thoughts and fears are spinning in my mind. Forever, I know, youth won't fade away (Les pensées et les peurs qui tournent dans mon esprit. Pour toujours, je sais, la jeunesse ne s’effacera pas) » (Kites). Et la jeunesse, c’est les rêves. La boucle est presque bouclée. Cependant, il faut vieillir, mais vieillir n’est pas mauvais non plus. C’est non seulement obligatoire. On n’a pas le choix. Mais vieillir, c’est une progression, une progression de soi-même. Or, la beauté de la chose, c’est qu’on peut changer tout en restant toujours le même, fidèle à ses rêves, et cette vérité n’est pas valable seulement pour moi, mais pour toi aussi, car on se ressemble, même si on n’est pas pareil !

Voilà le monde des BUMBLEBEES. Un monde de questionnement, de doutes existentiels, mais toujours positif, toujours en quête de la lumière intérieure qui réchauffe lorsqu’il fait froid et qui se partage avec l’Autre, celui qui, semblable à nous-mêmes, nous permet de mieux voir, de mieux explorer le monde, de découvrir les multivers et les possibles infinis de la vie qui nous est offerte pour un temps limité, même si l’on en ignore à tout jamais le jour de péremption.
Avec cette autoproduction si bien finalisée, aux mélodies enchanteresses, au texte intelligent et empli de la sagesse de ceux qui ont vécu, on peut dire, sans peur ni reproches aucun, que les BUMBLEBEES nous ont concocté, si ce n’est l’album de l’année, du moins l’un des cinq meilleurs albums de notre TOP 5 de 2022. On se réjouit maintenant de découvrir leurs futurs vidéo-clips et - plus encore - de les découvrir sur scène, pour savoir si la magie opère aussi dans le réel de la vie vraie, immédiate et surprenante !

GROTOTORO (from Genève) / (11 novembre 2022)

(article publié originellement sur le site du webzine de Casbah Records  (web))

Pour le pire comme pour le moins mauvais du centre-mou, les vieux artistes sont de retour (ou peut-être n'avaient-ils jamais disparu ? ). Notre correspondant Suisse passe en revue une sélection d'albums et file quelques coups de charentaises au passage. 
Par ici la bonne soupe !

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Ok, ok ! ce titre est quelque peu méchant. Les vieux, c’est souvent sympa et nous, on les aime bien les vieux ! Mais force est de constater qu’en cette fin d’année 2022, les vieilles stars du show-biz ont décidé en masse de sortir un énième album. À l’écoute de chacun d’eux, la question se pose : était-ce nécessaire ? Survol en ordre alphabétique sur la tentative de jeunisme ou de renflouement des caisses pour payer le fisc à la veille des fêtes de Noël.

De la soupe ? A-HA, mort de rire !
Eh oui ! faut bien commencer quelque part. Alors voilà, fin octobre, les Osloviens de A-HA ont décidé de s’y remettre, pour la bonne cause, la planète, l’entraide et l’amour de son prochain, du grand Nord et des ours polaires. C’est vrai que A-HA, c’est quand même un maxi succès new-wave-synthpop des années 80, avec l’inoubliable Take on me (Hunting high and low - Warner Bros, 1985) et son vidéo-clip novateur (web), mélange de séquences réelles et de séquences animées. Rien que pour cela : respect. Mais après deux séparation – reformation (1994 / 2010) et dix albums, était-il bon de repartir en piste avec un nouvel album ? On l’a écouté et ce nouvel opus, qui sonne plus comme du Jay Jay JOHANSON enjoliffié à grand renfort d’IA que du A-HA, peut facilement être qualifié de… soupe (avec une faible exception pour Summer rain, mais très faible) ! En fait, pour être totalement franc, si le LP ne portait pas le nom prestigieux de A-HA, personne n’y prêterait attention et c’est peu dire. Plates, fades, limite gnian-gnian, les balades se succèdent sans saveur ou presque, sorte d’instantanée Liebig industrielle bourrée de glutamate addictif, histoire de sauver le business. La production léchée, propre à l’excès, tout autant que la voix morrissienne de Morten HARKET, n’y changent rien. Quand c’est mauvais, c’est mauvais. Donc réponse à la question « était-il bon de repartir en piste ? ». Pour les A-HA, la réponse est clairement : Non ! True North sera probablement l’album de trop ! N’est pas Henri SALVADOR qui veut ! (web)

Quand de vieux-jeunes singes nous apprennent à faire la grimace
Comparés aux autres groupes de cet article, les ARTIC MONKEYS ne sont pas très vieux (juste une petite génération de moins, des broutilles). Fondé en 2002, en Angleterre, le groupe galère à trouver un label et ne perce qu’en 2005-2006 avec le single I bet you look good on the dancefloor (Whatever people say I am, that’s what I’m not - Domino Records, 2006), qui se hisse immédiatement en tête de charts britanniques. Dès lors, les succès s’enchaînent et la gloire les environne, faisant des ARTIC MONKEYS des rivals d’OASIS ou des STROKES, jouant à guichets fermés, etc. Leur musique est punchy, vive, dansante, au frange du bon vieux punk qu’on ne regrettera jamais assez. Tout pour plaire aux Britons et autres anglosaxonnés. Mais ça, c’était avant. Fin octobre, les ARTIC MONKEYS ont sorti leur 7^e album, The car (Domino Records, 2022) et là, le moins que l’on puisse dire, c’est la cata. Le groupe avait déjà pris un virage plus plan plan avec l’opus précédent, Tranquility base hotel and casino (Domino Records, 2018). Avec The car, le groupe veut naviguer sur les rivages de la Soul musique, mais la sauce ne prend pas et le navire coule… à pic. Les ARTIC MONKEYS nous offrent dix morceaux d’une platitude extrême, qui s’enchaînent mécaniquement, ennuyants et poussifs à mourir, d’autant plus que le chanteur, Alex TURNER, n’a pas du tout la voix pour de la Soul. Elle manque de profondeur à la Marvin GAYE ou de chaleur à la Al GREEN. Pire, on a l’impression que TURNER a suivi des cours de diction avec un maître ès linguistique et surarticule à l’envie les syllabes. Quant au guitariste solo, un débutant à la pédale Wah Wah ferait mieux que lui (Big ideas). Inutile de tourner autour du pot. L’écoute de The car a été proche de la torture et nous avons dû nous forcer pour l’écouter intégralement, au cas où une surprise apparaîtrait. Rien, que de l’ennui et du dégoût tant les ARTIC MONKEYS nous avaient habitués à une musique vive et franche. Un ratage complet !

BJEURK ?
Découvrir un nouvel album de la Reine des neiges de la pop est toujours un événement. Rien que de lire ou d’entendre le mot BJÖRK, immédiatement la mélodie et les paroles de Bachelorette (Homogenic - One Little Indian, 1997) éclatent à l’esprit joyeux de s’abandonner au souvenir, mais cela aurait pu aussi être Venus as boy ou Violently happy (Debut - One Little Indian, 1993). Symbole même de la créativité depuis le début des années 1980, avec Les SUGARCUBES (web), BJÖRK ne cesse d’innover, d’aller de l’avant et de franchir les frontières les plus improbables, sans se soucier le moins du monde du qu’en dira-t-on. Et elle le peut, car cette créativité touche au génie que ce soit dans la musique, la vidéo, la mode, le cinéma... Ce dernier opus, Fossora (One Little Indian, 2022), sorti en ce début d’automne 2022, n’échappe pas à la règle. Tourné vers la Terre mère, dans un retour aux sources forcé par la mort de sa propre mère, Hildur Runa HAUKSDÓTTIR, en 2018, et le confinement imposé par la pandémie de Covid-19, BJÖRK plonge au tréfond des entrailles de son univers et exprime sans ambages, la douleur, le doute, la peur, l’amour, la force de la Nature et l’importance de la préserver. Elle implique même ses enfants sur certains morceaux. Fossora est, dès lors, très loin des envolées mélodiques qui ont fait le succès de Homogenic. Tout au contraire, suivant la pensée de Gustave FLAUBERT selon laquelle « Il faut écrie pour soi, avant tout. C’est la seule chance de faire beau », BJÖRK n’hésite pas, retour aux sources oblige et elle fait beau, très beau. Et le résultat, le moins que l’on puisse dire, est surprenant, dérangeant et tout à la fois somptueux (en particulier visuellement, avec des vidéo-clips (Atopos ou Ovule) et des costumes qui feront pâlir d’envie le monde suranné de la mode d’aujourd’hui). Fossora est simplement un album brutal, froid, désagréable à l’écoute (qu’on pense à Victimhood), n’ayons pas peur de le dire, plus proche de la musique classique contemporaine que de la pop music. Mais malgré tout, il est remarquable par sa liberté d’expression et ses prises de risques réussies. C’est un élément essentiel et complémentaire de la discographie / de l’œuvre de BJÖRK, une réussite musicale et artistique incontestable qui s’intègre parfaitement dans le projet global de BJÖRK, mais c’est aussi son album le plus ardu, le plus difficile à l’écoute, si bien qu’il n’atteindra pas son public traditionnel, et encore moins le grand public. Il figure d’ailleurs, dès à présent, comme le plus mauvais départ commercial pour un album de la diva islandaise. Mais qu’importe, ce n’était pas son but. Fossora est tout à la fois une introspection et un exutoire pour l’artiste, voire une prise de conscience, avant d’être un objet commercial ou une œuvre à offrir en pâture au public. Nous l’avons personnellement écouté trois fois pour être sûr de bien comprendre ce que nous entendions et ressentions alors que les sons si peu familiers parcouraient nos neurones et stimulaient nos synapses, mais clairement, on peut dire qu’il n’y a aucun désir en nous de l’écouter une fois de plus. Pas une seule des treize chansons de Fossora ni fait exception. BJÖRK devait faire cet album, pour elle. Point. Nous, on retourne, en attendant la suite, aux anciens LP, quelque peu désappointé, mais impatient de découvrir la suite.

Losing my religion 
Alors là, c'est le pompon ! LAMBCHOP, on le sait, n’est pas vraiment un groupe au sens propre du terme, c’est plutôt un projet évolutif apparu en 1986, à Nashville, Tennessee (USA) sous la houlette de Kurt WAGNER. Résultat, une production explosive, dont pas moins de seize albums studio. Le line up est tellement évolutif que pas moins de vingt-six membres ont défilé au cours des années, en plus de WAGNER, toujours aux manettes. Pour ce dernier opus, The bible (Merge Records, 2022), tous les membres sont nouveaux et le résultat… On ne sait plus trop. En fait, cet album donne l’impression d’être une expérimentation d’un musicien qui découvre le « voice coder » (avec ou sans Vocoder) et bidouille avec (A little black box, mélange de funk et d’électro raté, ou A major minor drag, par exemple), tout en se prenant parfois pour Paulo CONTE ou Albert COHEN (Daisy). Au final, il n’y a rien à retenir des dix morceaux de The bible, qui n’a rien, mais alors absolument rien de messianique ni même d’intéressant. Après un seul morceau seulement, on souhaitait la fin de la découverte, qui fut simplement un désastre total…

Des lutins vraiment très petits
Entendre ou lire « PIXIES », tout comme pour BJÖRK, c’est automatiquement voir son cerveau prendre le contrôle et chanter Monkey gone to heaven (Doolittle - 4AD, 1989), l’une des rares chansons qui nous poursuit jour après jour, inlassablement. Alors apprendre qu’un nouvel album des PIXIES est sorti : que du bonheur et beaucoup d’espoir. « If man is five, if man is five, if man is five, then the devil is six, then the devil is six, then the devil is six, then the devil is six, and if the devil is six, then God is seven, then God is seven, then God is seven. This monkey’s gone to heaven »… Cela dit, on aurait pu prendre Here comes your man (également sur Doolittle) ou, mieux encore, Where is my mind (Surfer Rosa - 4AD, 1988). Les PIXIES, c’est tout simplement un groupe phare des années 80, avec un son unique (basse et guitare) et la voix pénétrante de Frank BLACK / Black FRANCIS (suivant les humeurs). Après une séparation - reformation (1993-2004) et sept albums, il semblerait que la bande ait eu besoin de s’exprimer encore un peu et de transmettre sa vision du monde : pantoufler, c’est la vie ! (web) Quoi qu’il en soit, dès les premières notes de Nomatterday, premier morceau de Doggerel (BMG, 2022), ça y est. La ligne de basse sobre, claquante, embarque l’auditeur. Les guitares apparaissent avec la voix de BLACK le magicien et la magie opère réellement. Le sourire aux lèvres, ça commence bien. Et puis, plaf, au bout de deux minutes, rupture et oui, on est bien dans le monde type des PIXIES. Le son ne ment pas. Les PIXIES sont bien de retour. Ça va être jouissif. Le volume monte, automatisme quasi névrotique. L’espoir est là. L’attente est longue avant la découverte des titres suivants… Aussi, après 4 minutes, le deuxième morceau s’enclenche… Bof ! Puis le troisième… Bof ! Le quatrième, le cinquième, le… douzième. Bof ! La galette retombe à plat. Le moral dans les chaussettes. « This monkey’s gone to hell » ! Quelle déception ! Encore un album de trop en cette fin 2022 pour des vieux brisquards du Rock. La poisse !

Piments rouges sans saveur
C’est peut-être pour nous le plus attendu des albums de cet automne, car jusqu’à aujourd’hui les PEPPERS ne nous ont (pour ainsi dire) jamais déçu en douze albums. L’écoute du dernier, Return of the dream canteen (Warner, 2022) reste cependant mitigée. Le son est là. Les morceaux sont percutants, les textes fidèles, mais aucun titre ne sort du lot (à part peut-être Bag of grins). On est très très loin de Dark necessities (The gateway - Warner, 2016), Give it away (Blood sugar sex magik - Warner, 1991) ou encore Californication (Californication - Warner, 1999). Dommage ! Peut-être qu’avec le temps, on prendra plaisir à le réécouter ce 13^e album, mais pour l’heure, on préfère les anciens… et de loin !

Plaisir simple
Courageux et plein d’espoir que quelque chose de bon sortira de tous ces albums de vieux, on lance le plus que 20^e album des SIMPLE MINDS, formés en 1977 du côté de Glasgow. Tout frais éclos, Direction of the heart (BMG, 2022) comporte onze titres. Le moins que l’on puisse dire, c’est que les papys (cf. vidéo-clip de First you jump) n’ont pas perdu la main et savent encore composer des tubes, du moins, un tube : First you jump, qui, à n’en pas douter sera un titre qui va tourner sur les radios pendant quelques temps, grâce à son refrain parfait. SIMPLE MINDS n’innove certes pas. La bonne vieille recette de Alive and kicking (Once upon a time - Virgin, 1985) est encore appliqué avec méthode, mais au moins, ça a le mérite de fonctionner. Pour le reste, les morceaux de l’album sont plus proches du remplissage que des hits et on n’échappe pas aux sujets tendances, comme « sauvons la planète » ! M’enfin, comparer aux quelques albums ci-dessus critiqués, faut pas se plaindre. On a au moins eu un peu de plaisir à l’écoute. C’est déjà pas si mal !

Le moins que l’on puisse dire, c’est que les sorties album des Stars du rock ou de la pop, en cette fin 2022 sont des plus décevantes. Ce que l’on peut dire cependant, c’est qu’écoutant et découvrant de nouveaux artistes tous les jours sur le Web, on s’aperçoit que nos Stars vieillissantes (BJÖRK exceptée) ont tendance à nous vendre des galettes généralement réchauffées et insipides, tout juste bonnes à remplir leur compte en banque et nous faire perdre notre temps. Oui, ils ont eu du talent ! Oui, quelques-uns d’entre eux en ont encore ! Mais il y a mille fois mieux sur le Web, en libre accès, inconnu, mais brillant de créativité, d’intelligence, d’originalité. Alors, non, ces inconnus ne savent pas se vendre. Alors, oui, ils sont étouffés par le parasitage des « plus grand(e)s » et de leurs lèches-bottes radiophoniques ou journalistiques qui continuent à encenser ce qui ne le mérite pas, totalement à la solde du système. C’est honteux, mais c’est. L’idée maîtresse du business, en fait, tient non pas compte de la vente des albums, mais dans l’attente des retombées sonnantes et trébuchantes engrangées à l’occasion de la « nouvelle » tournée à venir, suite à la sortie du « nouvel » album, durant lesquelles les fans, plus que les « nouveaux morceaux », attendront avec impatience le live de leurs morceaux favoris. Faire semblant de faire du neuf avec du vieux. Et ça marche ! Sinon, pourquoi les places de concert auraient-elles pris l’ascenseur niveau prix, suivant une courbe exponentielle, ces dernières années ?

Plutôt que d’acheter ou de se précipiter sur « le dernier album de », il vaut mieux aujourd’hui, et de loin, parcourir les Bandcamp, Grooveshark, Soundcloud, 8tracks, Helvetiarockt, ou notre chouchou MX3, à la découverte de mondes insoupçonnés, inépuisables de bons sons et de tentantes mélodies à faire tourner en boucle, bien loin du mainstream mercantile des majors devenues inutiles sinon pour enrichir ceux qui le sont déjà, les plus riches.

GROTOTORO (en direct de Genève) / (09 décembre 2022)

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A-HA. True North (Swinglong Ltd – RCA, 2022)
ARTIC MONKEYS. The car (Domino Records, 2022)
BJÖRK. Fossora (One Little Indian, 2022)
LAMBCHOP. The bible (Merge Records, 2022)
PIXIES. Doggerel (Infectious Music, 2022)
RED HOT CHILI PEPPERS. Return of the dream canteen (Warner, 2022).
SIMPLE MINDS. Direction of the heart (BMG, 2022)
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(article publié originellement sur le site du webzine de Casbah Records  (web))

Les albums préférés de la Casbah en 2022 analysés par notre correspondant Suisse.

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Eh oui ! Fin d’année rime avec bonnes résolutions et récapitulatifs des meilleurs moments revisités sous forme de Best of ou de TOP 5, 10  ou 50 ! Et l’équipe de la Casbah n’y échappe pas. Faut vivre avec son temps. Aussi, pour surpasser les superbes Ce que je retiens… de Maître bingO, il a été décidé dans la joie et la bonne humeur, entre Thanksgiving et la trêve des Confiseurs (ces amateurs de sucre qui ne connaissent rien au chocolat, pour dire), de vous proposer non pas un, mais deux TOP 5 pour célébrer l’achèvement de ces 365 derniers jours quasi post-ovidien de la mort, sans confinement ni masque. L’article ci-présent concerne les albums. Un autre à venir, les morceaux en style single.

Direct dans le sujet, quelle est la grande leçon à tirer ? Eh bien ! en 2022, les femmes prennent le pouvoir de la Planète Rock, parce qu’elles le valent bien, sans pub ajoutée. Pour preuve notre TOP 5 des meilleurs albums de l’année dans l’ordre de décroissance subliminale !

• Émilie ZOÉ. Hello future me (Hummus Records (CH) / CH)
• WET LEG. Wet Leg (Domino Records (GB) / GB)
• BIG THIEF. Dragon new warm moutain I believe in you (4AD (GB) / US)
• Nick WHEELDON'S DEMON HOSTS. Gift (Le Pop Club Records (FR) / GB)
• Ezra FURMAN. All of us flames (Bella Union (GB) / US)
• VIAGRA BOYS. Cave world (Year0001 (SE) / US)

Alors, vous me direz « y en a 6, trop nul ! sais même pas compter, et l’autre, trop naze ! T’as jamais été à l’école ou quoi ? ». Oui, oui, oui, je sais, vos neurones vont trop vite, pas encore gélifiés par l’hiver, et vous y comprenez que pouic à la logique du Totoro, mais dans les faits, qu’y puis-je ? Les membres de la Casbah n’ont pas réussi à départager la charmante Ezra FURMAN des rutilants VIAGRA BOYS, tous deux finalement classés ex-aequo en 5^e position. Ainsi va la vie… Et puis, vous retrouverez la liste complète des 40 meilleurs albums de 2022 retenus par les dits membres en fin d’article. « Y en a un peu plus, j’vous l’mets quand même ? », c’est valable aussi pour le Rock !

Pour le reste, nous, GROTOTORO le scribouilleux, on est aux anges car, en plus de trouver quatre albums d’artistes féminines ou associés (BIG THIEF est un mélange femelle chanteuse-mâle musicien panaché, mais sans bière) sur les 6 du TOP 5 final, la toute première place échoit à qui ? Hein ? Je vous la pose la question. Hop ! Hop ! Suisse ! Eh oui ! À notre merveilleuse compatriote vaudoise, Émilie ZOÉ, soutenue par un label de toute puissance, Hummus Records, tout aussi Suisse. N’est-il pas que la planète Rock est vivace et dynamique en Helvétie ovomaltinée de Toblerone chocolaté, malencontreusement racheté par les Ricains de l’Amérique. Grand Dieu ! Qu’on se le dise ! Mais ça fait chaud au cœur (avec l’accent, c’est mieux) ! « Sur nos monts, quand le soleil annonce un brillant réveil et prédit d’un plus beau jour le retour, les beautés de la Patrie parlent à l’âme attendrie… » (web). Notez qu’on a bien failli se faire voler la vedette par les GROS VOLEURS de volksmusik à la ricaine (encore eux !), mais Dame Jordane, un de ses fidèles écuyers et un illustrateur maison sont venus à la rescousse terrasser, que dis-je ? pulvériser le Nouveau monde envahisseur pour rétablir les beautés de la Patrie originelle presque au sommet du Grütli légendaire. « C’est bonard, manquait plus que Guillaume Tell ! »... Et puis, faut dire, sans se le cacher, qu’Émilie ZOÉ, c’est un peu devenue la mascotte de l'émission radio Rock à la Casbah. On la retrouve dans les émissions #759, #764 et #787 de 2022, ainsi qu’en guest star (comprendre « l’album vedette de la semaine ») pour la #765, sans oublier une spéciale interview dans le webzine ! Y avait pas photo, on est tous d’accord !... Elle est pas belle la vie ?
 
Aussi, en y regardant de plus près, une autre information pète aux yeux, au regard des 40 albums retenus : le Rock, c’est une affaire d’Anglo-Saxons (même si les Suisses ont fait mieux cette année, faut dire !) Cette vérité est absolument incontestable et explique probablement pourquoi, au final, même les artistes français s’obstinent à chanter en anglosaxon et ce, malgré un accent à faire pleurer les oreilles expertes de Céline Dion. Car nous, on a cherché des albums en français de francophonie (on n’est pas chauvin pour un sou, nous), pour les intégrer dans notre TOP 5. On se plaint aussi souvent que l’émission valentinoise du bled ne diffuse pas assez de Rock francophone à notre rédac’ en chef préféré. Même notre dernière playlist d’hiver est basée sur ce point. Or, en réalisant notre TOP 5 des meilleurs albums de 2022, on n’en a pas trouvé un seul, même tout petit, genre EP de rêve, qui soit au top du top of the Pop and the Rock. C’est chouette d’écouter le dernier WAMPAS ou Les SHÉRIFF [ces derniers c'était plutôt en 2021, NDLR]. Ce sont de bons albums, certes, mais y a mieux ; or, la majeure partie des groupes Français chante quasi toujours en anglais. On pourrait en conclure que le Rock français n’arrive pas à redécoller depuis son atterrissage à la fin du siècle dernier (inutile de donner des noms, c’est évident). Pour preuve de ceci, sur 40 albums, 15 sont le fruit d’artistes américains, 8 de Britons grands ou petits, 2 de Nouveaux-Zélandais (les Vieux font plus de Rock) et 1 de Jamaïcain, d’Australiens ou d’Irlandais. Autrement dit, 28 de ces albums sont issus de pays de langue officielle anglaise, soit plus de 70%, des 2/3, etc.

De même, la langue chantée dans ces 40 albums est l’anglais. Seul le Suisse Fai BABA chante en suisse allemand (il en avait marre de faire semblant d’être Babaricain), le Tunisien, aka Belge, JAWHAR en arabe et le Français DISIZ LA PESTE (pas très bon en orthographe), de la planète Hip Hop, en français. Les 8 autres artistes (allemands, belges, italiens, suédois, suisses), ainsi que les Français de OFF MODELS, ont choisi la langue de Shakespeare pour exprimer leur créativité, leur génie, leur amour de la vie, le truc qui les empêchait de dormir. On reviendra peut-être sur cet effet de mode mainstreamien dans une prochaine chronique, qui sait ? Pour l’heure, y a d’autres choses à faire !
Mais ce qu’il y a de sûr et ce dont, nous, on est fier, c’est qu’après les États-Uniens d’Amérique, les tueurs de Napoléon de la perfide Albion et au-delà, ce sont les Helvètes de la moitié-moitié fromagère qui placent le plus d’albums cette année. Quatre au total. Des demi-Anglais en somme. Pas mal, non ? Outre Émilie ZOÉ et Fai BABA (est-ce qu’il boit du rhum ? Me demande…), on retrouve l’autoproduction (parce que pas encore découverts à part par GTO et quelques radios locales confédérées et publiques) des BUMBLEBEES, dont nous avons encensé l’album dernièrement (web), et de The OSKARS qui monte, qui monte, qui monte - manque juste Will SMITH pour donner une bonne claque et ce sera parfait !
Il faut dire, pour être précis et scientifique que, dans la pratique, les membres de la Casbah étaient libres de choisir un LP, un EP, une compilation... Malgré tout, parce que très professionnels et un chouilla trop sages, au final, on ne trouve qu’un seul EP (The OSKARS, un de nos choix, GROTOTORO, c’est plus électron libre marginal pure déconnade qui grandit pas même avec un verre de vodka) et le triple CD Heroes and vilains – The sound of Los Angeles (1965-1968), dont on dira pas qui l’a choisi, mais c’est toujours mieux que les MUNCAIDHEAN ARTAIGEACH.

De même, le classement était ouvert à tous les styles sans exception, mais la quasi-totalité des albums résonne dans la planète Rock, à l’exception du rapeu L’amour (Capitol) de DISIZ LA PESTE et de Midnight scorchers (On-US-Sound) de l’ancêtre reggaeman jamaïcain Horace ANDY. Nous aussi, on aurait bien voulu ajouter le reggae rastafari plein de « feat. » et autres demoiselles, « Hey sexy lady, I like your flow, your body’s banguin’… out of control », soit Chameleon (Staudeman) de SAMORA, de Berne, en Suisse, mais ça aurait fait un TOP 6 et personne ne fait des TOP 6, pas vrai ? Pourquoi ? Ça, on l’ignore…

Côté label, la palme 2022 revient à Matador qui place trois albums (BELLE & SEBASTIAN, SPOON et HORSEGIRL, suivi, pour deux albums par 4AD (Aldous HARDING et BIG THIEF), Domino Records (WET LEG et ARCTIC MONKEYS) et Sub Pop (BUILT TO SPILL et WEYES BLOOD).
Enfin, histoire de s’amuser un peu, le GROTOTORO a réécouté toutes les émissions Rock à la Casbah de 2022 (#758 à #793), histoire de taquiner un peu les animateurs, en relevant toutes les mentions « c’est l’album de l’année ! ». Faut bien passer le temps comme on peut, pas vrai ? Le résultat est le suivant :

• #764 – BIG THIEF
• #765 – Émilie ZOÉ
• #777 – BELLE & SEBASTIAN
• #781 – JASMYN
• #787 – Nick WHEELDON’S DEMON HOSTS
• #792 – Vadim VERNAY

Tous, à l’exception de JASMYN, figurent dans les 40 albums retenus [liste ci-dessous], comme quoi, nos animateurs avaient vu (presque) juste. Bravo à eux !
Voilà donc que s’achève le premier TOP Albums de la Casbah pour l’année 2022 qui a somme toute révélé de belles surprises même si on ne peut pas dire que ce soit un grand cru en matière de production Rock & Roll. Ce qui, par chance, laisse de l’espoir pour l’année prochaine. Puisse-t-elle être meilleure ! On croise les doigts. On touche du bois. Tous à vos guitares, à vos batteries, et autres divines platines. Et bonne fin d’année d’ici là !

 GROTOTORO, Genève(16 décembre 2022)

Classement (Points) / ARTISTE(S). Titre album (Label, Pays d'orgine des artistes)

• 01 (160) Émilie ZOÉ. Hello future me (Hummus Records, CH)
• 02 (100) WET LEG. Wet leg (Domino Records, GB)
• 03 (090) BIG THIEF. Dragon new warm mountain I believe in you (4AD, US)
• 04 (080) Nick WHEELDON'S DEMON HOSTS. Gift (Le Pop Club Records, GB)
• 05 (060) Ezra FURMAN. All of us flames (Bella Union, US)
• 05 (060) VIAGRA BOYS. Cave world (Years 0001, SE)
  • 06 (050) ARCTIC MONKEYS. The car (Domino Records, GB)
  • 06 (050) Sinead O'BRIEN. Time bend and break the bower (Chess Club Records, GB)
  • 06 (050) SPOON. Lucifer on the sofa (Matador, US)
• 07 (040) Angel OLSEN. Big time (Jagjagwar, US)
• 07 (040) DEHD. Blue skies (Fat Possum Records, US)
• 07 (040) Horace ANDY. Midnight scorchers (On-US-Sound, JM)
• 07 (040) JUST MUSTARD. Heart under (Partisan Records, IR)
• 07 (040) MATTIEL. Georgia gothic (ATO – Heavenly Records, US)
• 07 (040) METRONOMY. Small world (Because Music, GB)
• 07 (040) Nicole FAUX NAIV. Moon rally (Bronzerat Records, DE)
• 07 (040) YARD ACT. The overload (Island Records – Zen FC, GB)
  • 08 (030) BELLE & SEBASTIAN. A bit of previous (Matador, GB)
  • 08 (030) Benny The BUTCHER. Tana talk 4 (Griselda Records – Empire, US)
  • 08 (030) BUILT TO SPILL. When the wind forgets your name (Sub Pop, US)
  • 08 (030) LEATHERETTE. Fiesta (Bronson Recordings, IT)
  • 08 (030) Dion LUNADON. Beyond everything (In the red Records, US)
  • 08 (030) ROT TV. Tales of torment (Tee Pee Records, AU)
  • 08 (030) VAGUESS. Nothing’s secret (ReFry Records, US)
  • 08 (030) WEYES BLOOD. And in the darkness, hearts aglow (Sub Pop, US)
• 09 (020) Aldous HARDING. Warm Chris (4AD, NZ)
• 09 (020) BODEGA. Broken equipment (What's Your Rupture, US)
• 09 (020) BUMBLEBEES. Paper boat (autoproduction, CH)
• 09 (020) Fai BABA. Veranderet (A Tree in a Field, CH)
• 09 (020) HORSEGIRL. Versions of modern performance (Matador, US)
• 09 (020) JAWHAR. Tasweerah (62 TV Records – Strictly Songs – [pias], BE/TU)
• 09 (020) V/A. Heroes and vilains - The sound of Los Angeles (1965-1968) (Grapefruit Rds, US)
  • 10 (010) DISIZ LA PESTE. L'amour (Capitol, FR)
  • 10 (010) DRUG COUPLE. Stoned week-end (Papercup Music, US)
  • 10 (010) JOCKSTRAP. I love you Jennifer B (Rough Trade Records, GB)
  • 10 (010) OFF MODELS. Familiar strangers (Hell Vice I Vicious Records / Teenage Hate Records/ Crapoulet Records / Ganache Rds, FR)
  • 10 (010) Tami NEILSON. Kingmaker (Neilson Records, NZ)
  • 10 (010) The OSKARS. The Oskars (autoproduction, CH)
  • 10 (010) Vadim VERNAY. Hang tight (La Mais°n, FR)
  • 10 (010) YOU SAID STRANGE. Thousand shadow (Exag' Records, FR)

(article publié originellement sur le site du webzine de Casbah Records  (web))